Методическая разработка "Из истории музыкального образования в России"
1
Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования
«Детская школа искусств»
МЕТОДИЧЕСКАЯ РАЗРАБОТКА
«ИЗ ИСТОРИИИ МУЗЫКАЛЬНОГО
ОБРАЗОВАНИЯ В РОССИИ»
подготовила : преподаватель фортепиано
Коротаева В.М.
г.п.Талинка ХМАО – Югра
2017 год
2
СОДЕРЖАНИЕ
Введение…………………………………………………………………………..3
Становление первых институтов музыкального обучения в XVIII – XIX
веках…………………………………………………………………………….....5
Особенности структуры и образовательных установок Петербургской и
Московской консерваторий……………………………………………………..11
История создания Московской консерватории………………………………..17
Альтернативные учебные заведения конца XIX – начала XX веков. Роль
Бесплатной музыкальной школы в системе музыкального образования……21
Создание Московской Народной консерватории…………………………… .22
Система музыкального образования в XX веке. Советское музыкальное
образование……………………………………………………………………. .25
Музыкальное образование в постсоветском пространстве…………………30
Заключение……………………………………………………………………...31
Список использованной литературы………………………………………….33
3
Из истории музыкального образования в России
Введение
Российская система музыкального образования, взрастившая плеяду
выдающихся деятелей искусства и культуры с мировым именем,
складывалась не одно столетие. Она имеет ярко выраженные национальные
особенности и традиции, сохранение которых должно быть первоочередной
задачей государственной политики в целом и каждого человека в
отдельности. Становление системы музыкального образования проходило в
условиях постоянно меняющейся политической, экономической и
культурной обстановки в стране. На ее формирование в разное время
повлияли государственные и идеологические установки, культурные
устремления и потребности общества.
В настоящее время в России насчитывается 3 089 детских музыкальных
школ и школ искусств с музыкальными отделениями, 176 средних учебных
заведений и 45 вузов, реализующих образовательные программы в области
музыкального искусства.
Современная система музыкального образования столкнулась с рядом
серьёзных проблем — кадровый дефицит, уменьшение количества
обучающихся по ряду основополагающих музыкальных специальностей.
Региональные и муниципальные оркестры, детские школы искусств и даже
некоторые музыкальные училища испытывают острую потребность в
музыкантах-оркестрантах, преподавателях музыкально-теоретических
дисциплин. Особенно не хватает преподавателей по классам духовых и
струнных инструментов. Количество детей, обучающихся в детских школах
искусств на скрипке, виолончели и других струнных инструментах, за
последние 10 лет снизилось почти на 35 тысяч. Происходит уменьшение
детей, которые обучаются в детских школах искусств на отделениях
народных инструментов, что отрицательно сказывается и на качестве
профессионального образования: при приеме в музыкальные училища
конкурсы по этим дисциплинам практически отсутствуют, а значит, и нет
возможности отобрать лучших. Кроме того, серьезную озабоченность
вызывает состояние материально-технической базы образовательных
организаций, в первую очередь регионального и муниципального уровней.
Министерство культуры РФ разработало программу развития системы
российского музыкального образования на 2015–2020 годы. Ее авторы
уверены, что реализация документа поможет сохранить уникальную
4
трехступенчатую подготовку музыкантов, которая начала формироваться в
России еще в XIX веке.
Глава Департамента по науке и образованию Минкультуры России
Александра Аракелова сообщает, что основная цель программы — сохранить
уникальную поэтапную подготовку музыкантов, которой нет ни в одном
государстве (за исключением бывших союзных республик): "Сначала идет
музыкальная школа, потом — музыкальное училище или колледж, далее —
консерватория или другой вуз искусств, то есть в России учатся 17–19 лет,
чтобы стать музыкантом. Поэтому среди основных задач программы —
повышение качества музыкального образования и привлечение как можно
большего количества детей к музыкальному искусству. Если раньше, в
советскую эпоху, почти в каждой общеобразовательной школе был хор,
проводились смотры хоров, то сейчас эта традиция ушла, а предмет "музыка"
в большинстве общеобразовательных школ превратился в прослушивание
музыкальных произведений с беседами о музыке. Ушла творческая
составляющая, дети перестали петь, играть на музыкальных инструментах,
исчезли детские хоры и инструментальные ансамбли». Глава департамента
также напомнила, что уже разработана общеобразовательная программа по
учебному предмету "Музыка" с определенными к этому предмету
требованиями и задачами: "В 2014 году она проходила апробацию в ряде
школ 15 регионов России, и полученные результаты будут учтены при
разработке этих требований. Сейчас к программе разрабатывается
методическое обеспечение".
Авторы программы развития музыкального образования рассчитывают, что
в случае её реализации увеличится не только число детей, занимающихся
музыкой, но и повысится качество подготовки самих музыкантов. Кроме
того, на базе ведущих вузов, реализующих образовательные программы в
области музыкального искусства, планируется создать специальные
методические центры. Ожидается, что они будут обеспечивать методическую
и творческую координацию деятельности детских школ искусств,
музыкальных училищ, общеобразовательных школ и педагогических вузов, в
которых обучаются будущие учителя музыки. Также один из основных
пунктов документа посвящен возрождению практики функционирования в
общеобразовательных школах хоровых коллективов, духовых оркестров и
других коллективных форм детского музыкального творчества. Для оценки
результатов реализации программы ежегодно будет проводиться
мониторинг.
В течение пяти лет министерство должно выстроить вертикаль
взаимодействия между тремя ступенями образования, повысить зарплаты в
5
детских школах искусств в регионах, обеспечить необходимую
материальную базу и покупку музыкальных инструментов в школах и
училищах, увеличить число молодых педагогических кадров и развивать
систему повышения их квалификации, а также повысить качество детских
конкурсов и фестивалей.
На сегодняшний день вопрос изучения системы российского музыкального
образования особенно актуален. Богатый историко-педагогический материал
в сфере музыкального образования накапливался долгие годы. Необходимо
изучать систему российского музыкального образования с момента
зарождения первых государственных, общественных и религиозных
институтов обучения музыкантов до складывания классической целостной
системы музыкального образования и существования данной системы в
новых условиях, предложенных современностью. Цель сегодняшнего
доклада – проследить, как складывалась система музыкального образования
в России в разные исторические эпохи.
Становление первых институтов музыкального обучения в
XVIII – XIX веках
XVIII век, век «Разума и Просвещения», характеризуется коренной сменой
ориентиров в развитии музыкального искусства. Это было время отхода от
средневекового аскетизма и активного становления светского мировоззрения.
В противоположность цельной древнерусской традиции, в которой
органично слилось «религиозное» и «светское», в эпоху Просвещения
произошло разделение светской культуры и веры, при этом светская
традиция приобретает ведущее значение.
XVIII век – в России происходят значительные изменения в военной,
политической, социальной, культурной областях жизни, инициатором
которых явился Петр I. Изменения были связаны с усилением западнических
тенденций, проникновением западной моды и традиций музицирования.
Сам Петр I предпочитал преимущественно военную музыку, но его
ориентация на Запад способствовала внедрению в России светской традиции
музицирования, которая связана прежде всего с музыкальными
инструментами. Петровские придворные стали привозить модные
безделушки – клавесины и другие инструменты, обучаться игре на них и
обучать своих детей. При этом в целом отношение к музыке было скорее
негативным, она звучала как сопровождение для танцев.
6
В 30 – 60-е годы XVIII века система образования в России выходит на
более высокий уровень. Для удовлетворения потребностей аристократии в
придворной музыке стали создаваться учебные заведения, в которых велась
подготовка музыкантов. Так, была создана Глуховская школа пения и
инструментальной музыки – первое государственное учебное заведение,
готовившее не только певчих для царских капелл, но и обучающее игре на
гуслях, бандуре и скрипке. Эта школа отличалась демократичностью
социального состава обучающихся: в ней учились дети представителей
среднего сословия.
Музыкальному обучению стало придаваться большое значение и в
закрытых учебных заведениях для знати. В 1732 году в Петербурге
открывается Сухопутный шляхетский (дворянский) корпус, где мальчиков и
юношей обучали танцам и музыке как непременной составляющей умений
светского человека. Особо важное место здесь уделялось художественным
предметам. В нём была сформирована театральная труппа, в состав которой
входили Фёдор Григорьевич Волков и Иван Афанасьевич Дмитриевский,
положившие начало развитию драматического искусства. Фёдор Волков –
русский актёр, считается основателем русского театра, Иван Дмитриевский –
выдающийся русский актёр, сподвижник Волкова.
В Петербурге была также открыта Театральная школа – единственное
учебное заведение с совместным обучением мальчиков и девочек из
мещанского сословия. В ней велась подготовка артистов широкого профиля,
включающая обучение танцам и игре на клавикорде.
7 мая 1755 года состоялось торжественное открытие Московского
государственного университета, в котором существовали музыкальные
классы и проводились концерты, спектакли.
Важным культурным центром Москвы являлась Духовная академия. В ней
учился Василий Кириллович Тредиаковский – поэт, филолог, реформатор
русского стихосложения, проявивший себя еще и на музыкальном поприще в
качестве автора песен и партесных концертов. Одним из выпускников
академии был Михаил Васильевич Ломоносов.
В 1757 году в Петербурге была открыта Академия художеств . В ней
обучали живописи, скульптуре, архитектуре, а также были организованы
музыкальные классы. В этих классах учился один из крупнейших оперных
певцов и композитор XVIII века – Евстигней Ипатьевич Фомин.
В 1764 году также в Петербурге было открыто первое женское учебное
заведение – Смольный институт. Воспитанницы института обучались
театральному, музыкальному искусству, исполняли оперы итальянских и
французских композиторов.
7
В 1780-1800 гг. – отличается явным доминированием светской традиции
музыкального образования и связанного с ней обучения игре на музыкальных
инструментах. Начинается распространение клавишных музыкальных
инструментов не только среди аристократии, но и в среднем социальном
слое. Появляются первые учебные пособия на русском языке, в их числе
«Клавикордная школа» А.Лилейна. До её появления обучение игре на
клавишных инструментах велось по иностранным руководствам, что
ограничивало сферу его распространения высшей знатью, владевшей
иностранными языками.
Важным положительным фактором для развития русской культуры было
приглашение музыкантов-педагогов из других стран. Испытав известный
крен в сторону «иностранного элемента», она нашла в себе силы сохранить и
развить сущностные национальные черты. Иностранные педагоги органично
вошли в русскую культуру.
Методики преподавания музыкального искусства в русской культуре XVIII
века складывались в процессе взаимодействия национальных и
общеевропейских традиций. Такой синтез противоположных тенденций
способствовал не только освоению музыкально-педагогического опыта,
накопленного в европейском искусстве, но и становлению и развитию новых
национальных музыкально-педагогических основ светского музыкального
образования.
В начале XIX столетия стала зарождаться и русская фортепианная
педагогика. Фортепиано начало быстро распространяться сначала среди
дворянства, а затем в кругах городской интеллигенции. Фортепианное
музицирование культивировалось в известных салонах и кружках
(«музыкальные собрания» М.Виельгорского, В.Одоевского, З.Волконской и
др.), а также во множестве семейств определенного уровня достатка.
Любительское фортепианное музицирование сыграло в тот период большую
роль в музыкальном просвещении общества и подготовило почву для
возникновения профессионального фортепианного исполнительства и
педагогики.
Обучение основам игры на фортепиано в России конца XVIII – начала ХIХ
вв. велось посредством частного домашнего преподавания. Частными
учителями были преимущественно иностранцы, что объяснялось
отсутствием в России той поры собственных преподавателей фортепианной
игры. Этот вид преподавания сыграл важную историческую роль в развитии
российского музыкального образования. Среди множества иностранцев –
учителей фортепианной игры было немало людей, далеких от музыки и
незнакомых с методиками преподавания. Репертуар и методы частного
8
фортепианного обучения того периода сейчас справедливо кажутся во
многом наивными. Но даже в таком виде распространение фортепианного
музицирования способствовало популяризации фортепиано, а следовательно,
и повышению общей музыкальной культуры значительной части населения.
Кроме того, наряду со случайными людьми, в Россию приехали многие
крупные музыканты. Это, в первую очередь, ирландский композитор и
пианист Джон Фильд, для которого Россия стала второй родиной и который
чрезвычайно много сделал для российской культуры вообще и музыкального
образования в частно-сти; Антон Августович Герке, у которого брали уроки
фортепианной игры М.П.Мусоргский и П.И.Чайковский; Александр
Иванович Виллуан, воспитатель братьев А.Г. и Н.Г.Рубинштейнов; Адольф
Гензельт, создавший одно из первых развернутых руководств по методике
обучения игре на фортепиано.
Ещё одной важной чертой становления музыкального образования в России
конца XVIII – первой половины ХIХ вв. является преподавание игры на
музыкальных инструментах – оркестровых и фортепиано – в немузыкальных
государственных учебных заведениях. Были созданы «клавикордные классы»
(впоследствии фортепианные) в Московском университете, Смольном
институте, Академии художеств, Университетском благородном пансионе,
Петербургском и Московском воспитательных домах; позднее – в
Петербургском, Казанском, Харьковском и других университетах.
Фортепианные классы также возникли в столичных и провинциальных
гимназиях, кадетских корпусах, лицеях, пансионах и т.д.
Этот вид музыкального образования нельзя было в полной мере отнести ни
к общему, ни к профессиональному. С общим музыкальным образованием
его роднило то, что в нём не ставилась цель подготовить музыканта-
профессионала; обучение осуществлялось для общего развития. Но в то же
время общее (обязательное) музыкальное образование в России того периода
существовало только в виде практики церковного пения; обучение игре на
фортепиано начиналось только на уровне относительно привилегированных
учебных заведений и было платным. Содержание инструментального
обучения (оно велось также на скрипке, виолончели, флейте и т.д., но
фортепианное было самым распространенным), включающее сложную
систему знаний, умений и навыков, также носило черты профессионализма.
Не случайно многие крупные российские музыканты начинали свое
музыкальное образование именно в фортепианных классах немузыкальных
учебных заведений (П.И.Чайковский, М.П.Мусоргский, Н.С.Зверев и др.)
Важным фактором для формирования и массовой музыкальной культуры, и
зачатков профессионального музыкального образования в России в этот
9
период стало повсеместное преподавание пения и игры на фортепиано в
женских учебных заведениях. Из различных пансионов, институтов
благородных девиц и других подобных учреждений, в которых, как правило,
воспитывались девушки не только из высшего сословия, но и из семей со
средним достатком, выходили подготовленные учительницы музыки,
которые затем учили музыке собственных детей или нанимались на работу в
качестве гувернанток, в обязанности которых также входило обучение детей
музыке. Разумеется, в методах преподавания фортепианной игры в подобных
учреждениях с точки зрения сегодняшних требований было много неверного,
а подчас и нелепого (преобладание «салонного» репертуара невысокого
художественного уровня, скромное общемузыкальное развитие, множество
недостатков в организации системы игровых движений, звукоизвлечения,
педализации и т.д.) Тем не менее, следует признать, что система
обязательной музыкальной подготовки девушек из высшего и среднего
сословий в большой мере способствовала привнесению вокального и
фортепианного музицирования в широкие слои населения, по существу
сделав его неотъемлемым элементом быта сотен тысяч семей.
В первой половине XIX в. среди наиболее просвещенных представителей
аристократии обсуждались и вопросы, связанные с общим музыкальным
образованием. Наиболее ярким представителем русских музыкантов-
любителей был Владимир Федотович Одоевский (1803-1869). Выдающийся
литератор, разносторонний музыкант и педагог, он стал одним из
основателей зарождающегося русского музыкознания. Ещё одно направление
музыкально-педагогической деятельности В.Ф.Одоевского можно
охарактеризовать как поиск теоретических оснований общего музыкального
образования. Он был одним из немногих представителей культурной элиты,
понимавших, что музыкальное образование должно охватывать всех и без
него невозможно полноценное культурное развитие страны. В.Ф.Одоевский,
будучи, по сути, квалифицированным музыкантом, понимал также огромную
сложность этой задачи. Ему было ясно, что необходим поиск принципиально
нового содержания, форм и методов обучения для того, чтобы обучать
музыке широкий круг учащихся, не обладающих явными музыкальными
способностями.
О таком понимании В.Ф.Одоевским задач общего музыкального
образования свидетельствуют его собственные письменные высказывания.
Он писал, что обучать музыке нужно всех, и необходимо найти «свою
методу», для этого в России есть всё, нужна только наука. Большое значение
В.Ф.Одоевский придавал слушанию музыки, предвосхитив, таким образом,
одно из основных направлений общего музыкального образования ХХ века.
10
Он писал о приобщения слушателей к музыке путем пробуждения интереса у
слушателя и отсутствии принуждения.
Владимир Федотович внёс значительный вклад в развитие детского
музыкального воспитания, где музыка занимала главенствующее положение.
В своих статьях на музыковедческую тему В. Ф. Одоевский выступал
активным пропагандистом выдающихся достижений русской музыкальной
классики.
С целью музыкального просвещения, распространения знаний среди
широких слоев общества в конце 50-х – начале 60-х годов XIX века создается
ряд музыкально-просветительских обществ. В 1859 году по инициативе
группы музыкальных и общественных деятелей Петербурга было основано
Русское музыкальное общество (РМО). Главным инициатором его создания
был Антон Григорьевич Рубинштейн (1829 – 1894 гг.). Общество стремилось
к широкому воздействию на музыкальную жизнь страны, чтобы классическая
музыка была доступна большим массам публики.
Ежегодно РМО проводились десятки симфонических концертов,
устраивались циклы камерных вечеров, выступали солисты. Симфоническим
оркестром дирижировал А. Г. Рубинштейн. В репертуаре преобладали
классики (Г. Ф. Гендель, И. С. Бах, В. А. Моцарт, Л. В. Бетховен) и немецкие
композиторы-романтики (Р. Шуман, Ф. Мендельсон). Исполнялись также
произведения М. И. Глинки, А. С. Даргомыжского и новых
западноевропейских авторов (Г. Берлиоза, Р. Вагнера, Ф. Листа). На выбор
репертуара влияли академические тенденции и консервативные вкусы
придворных, оказывавших покровительство РМО. К участию в концертах
широко привлекались русские исполнители. Если раньше на концертных
эстрадах выступали преимущественно западноевропейские виртуозы, то
среди солистов РМО преобладали отечественные. Среди них можно
выделить: композитора, пианиста, дирижёра А. Г. Рубинштейна, пианиста-
виртуоза, дирижёра Н. Г. Рубинштейна, виолончелиста Карла Юльевича
Давыдова, скрипача Генриха Венявского, скрипача Леопольда Ауэра.
В конце 1859 года было открыто отделение РМО в Москве. Во главе этого
отделения стоял Н. Г. Рубинштейн. Обладая высоким художественным
авторитетом, организаторскими способностями, дирижерским талантом, он
сумел привлечь к делу первоклассные творческие и артистические силы и
высоко поднять уровень московской музыкальной жизни. Москва становится
таким же крупным по значению музыкальным центром, как и Петербург.
Постепенно РМО возникают во многих культурных центрах страны, в
провинции, которая раньше была лишена возможности знакомиться с
высокохудожественной музыкой.
11
Важное значение имела деятельность отделений РМО на Украине, в
Грузии. Здесь традиции РМО встретились со стремлением местной
интеллигенции развивать родное национальное искусство.
Помимо концертной деятельности РМО ставило перед собой задачу
организации музыкального образования. Главной проблемой было
отсутствие профессиональных кадров среди музыкантов. Поэтому А. Г.
Рубинштейн настаивал на создании консерватории. В 1860 году были
открыты «Музыкальные классы» при РМО. Все желающие могли за оплату
обучаться игре на инструментах. Однако, этого было не достаточно.
Возникла прямая необходимость создания высшей музыкальной школы по
типу западноевропейских консерваторий.
Особенности структуры и образовательных установок
Петербургской и Московской консерваторий.
Быстрое развитие музыкального образования в России с середины XVII до
второй трети XIX вв. подготовило почву для расцвета русской музыкальной
культуры и создания в России профессионального музыкального
образования.
Становление системы профессионального музыкального образования,
начавшееся с создания первых русских консерваторий, а также расцвет
российского исполнительского искусства и музыкальной педагогики во
второй половине ХIХ в. тесно связаны прежде всего с именами братьев
Антона Григорьевича Рубинштейна (1829–1894) и Николая Григорьевича
Рубинштейна (1835–1881). Крупнейшие музыканты своего времени,
педагоги, общественные деятели, братья Рубинштейны отдали значительную
часть своего редкого таланта музыкальному образованию и просвещению
России. Они явились мощными катализаторами процессов, уже назревавших
в недрах российского музыкального искусства и музыкального образования.
Во многом благодаря им отечественное профессиональное музыкальное
образование, определившись как самостоятельная отрасль значительно
позднее аналогичного процесса в Западной Европе, практически сразу начало
функционировать на высочайшем уровне.
Братья Антон и Николай Рубинштейны учились у Александра Ивановича
Виллуана, русского композитора и музыкального педагога, взгляды которого
на фоне тех лет выделялись прогрессивностью. Рубинштейны с самых
ранних лет поражали окружающих своей феноменальной одарённостью – как
12
общемузыкальной, так и фортепианно-двигательной. Когда четырехлетнего
Николая начали обучать игре на фортепиано, двенадцатилетний Антон уже
концертировал со сложным репертуаром. В 1841–1843 гг. Антон
Рубинштейн вместе с А.Виллуаном совершили большое концертное турне по
Европе.
Ещё в юном возрасте братья Рубинштейны удостоились высоких оценок
таких музыкантов, как Ф.Лист, Ф.Шопен, Ф.Мендельсон, Дж. Мейербер.
Ф.Лист даже высказывал такую точку зрения, что Антону Рубинштейну уже
в 13-летнем возрасте не следовало продолжать обучение, так как
вмешательство извне может только ослабить силу этого изумительного
дарования.
Как пианист Антон Рубинштейн во второй половине ХIХ в. не знал себе
равных во всем мире. Ему была свойственна так называемая «фресковая»
манера игры, отличавшаяся размахом, исполинской силой,
монументальностью художественных концепций. Слушатели отмечали
необычайную певучесть исполнения, богатого красочными оттенками, а
также мастерство фразировки и «широту» дыхания. Все это делало
воздействие А.Г.Рубинштейна на аудиторию поистине магическим. Обладая
таким неотразимым воздействием на слушателей, А.Г.Рубинштейн смело
утверждал новый тип концертной программы: он почти не включал в
программы – как фортепианные, так и симфонические, в которых выступал в
качестве дирижера, – салонно-виртуозных произведений ради «отдыха»
публики. Венцом музыкально-просветительской деятельности Антона
Рубинштейна были его знаменитые «Исторические концерты», проведенные
в сезоне 1885 – 1886 гг., которые он дал в крупнейших городах России,
Европы и США. Программы «Исторических концертов» включали
произведения всех крупнейших композиторов, писавших для фортепиано или
клавира: от английских верджиналистов до русских современников
Рубинштейна. Значение этих концертов трудно переоценить: по существу,
Антон Рубинштейн вёл просветительскую работу в мировом масштабе.
В игре младшего Рубинштейна – Николая – не было такого стихийного
порыва, как у Антона, зато все отличалось безукоризненной точностью.
Подобно брату, Н.Г.Рубинштейн приложил немало усилий для
распространения высокохудожественных произведений мировой
фортепианной и симфонической литературы (он также совмещал
фортепианное исполнительство с дирижированием). Особенно много
внимания уделял Н.Г.Рубинштейн исполнению и пропаганде произведений
П.И.Чайковского.
13
Артисты такого масштаба, как А.Г. и Н.Г.Рубинштейны, вошли бы в
историю даже в том случае, если бы они занимались только своим
искусством. Но оба не довольствовались этой ролью; весь свой талант,
обширнейшую эрудицию, огромный авторитет они направили на
музыкальное просвещение России, подъем ее духовной культуры. С этой
целью необходимо было создание профессиональных музыкальных учебных
заведений – консерваторий.
В 1861 году в либеральной газете «Век» была напечатана статья «О музыке
в России». Автором её был главный инициатор и создатель Русского
музыкального общества А. Г. Рубинштейн. В ней он обосновывал
необходимость создания консерватории. Характеризуя состояние
современной музыкальной культуры, А. Г. Рубинштейн отмечал, что
«музыкой в России занимаются только любители». На вопрос, чем помочь
такому печальному изложению дела, он отвечал: «Единственно учреждением
консерватории. <…> Из консерватории выходят хорошие музыканты. А это
именно и необходимо в нашем огромном отечестве. Консерватория каждый
год даст русских учителей музыки, русских музыкантов для оркестра,
русских певцов и певиц, которые будут трудиться так, как трудится человек,
который видит в своем искусстве средство к существованию, право на
общественное уважение, средство прославиться, средство совершенно
предаться своему божественному призванию, как должен трудиться всякий,
уважающий себя и своё искусство».
Осенью 1862 года, после преодоления ряда бюрократических препятствий,
в Санкт – Петербурге была открыта первая в России Консерватория .
В первый год существования Консерватории было принято 179 учеников, в
дальнейшем – более 200 человек. Состав профессуры был высоко
квалифицированным. Большинство получили образование и начинали свою
артистическую деятельность в странах Западной Европы.
Сам А. Г. Рубинштейн, являвшийся её директором, вёл классы фортепиано
и инструментовки. Профессорами консерватории были выдающиеся
музыканты: по классу фортепиано – А. Г. Рубинштейн, Фёдор Осипович
Лешетицкий, Антон Августович Герке; по классу скрипки – Генрих
Иосипович Венявский, Л. Ауэр; по классу виолончели – Карл Богданович
Шуберт, Карл Юльевич Давыдов; по классу флейты – Цезарь Чиарди; по
классу арфы – Альберт Цабель; вокальные классы – Генриетта Ниссен-
Саломан, Камилло Эверарди; теории композиции – Николай Иванович
Заремба. Гордостью русского исполнительского искусства явились
воспитанники консерватории: пианистка Анна Николаевна Есипова,
виолончелист Александр Валерианович Вержбилович, певица Елизавета
14
Андреевна Лавровская, бас Фёдор Игнатьевич Стравинский и многие
другие. Имена первых выпускников Петербургской консерватории навсегда
остались в истории мировой культуры.
Система консерваторского образования воспроизводила методы и
художественные установки Лейпцигской консерватории, применяемых и по
сей день: базовый набор учебных дисциплин, структуру образовательного
процесса, методы преподавания, планы и так далее.
В первые десятилетия своего существования консерватории, в отличие от
современных высших учебных заведений, включали высшую, среднюю и
даже часть начальной ступеней профессионального музыкального
образования. Принимались в консерваторию чаще всего дети или подростки
(за исключением вокала), имеющие первичную музыкальную подготовку. В
консерватории, помимо музыкальных дисциплин, они получали
необходимую общеобразовательную подготовку, где акцент делался на
дисциплинах гуманитарного характера.
Курс обучения был рассчитан в среднем на девять лет и включал два
отделения – младшее (низшее) и старшее (высшее). На низшем отделении
обучались пять лет, после чего было необходимо выдержать сложный
переходный экзамен. Выдержавшие его переводились на высшее отделение,
где спустя четыре года должны были держать выпускной («окончательный»)
экзамен, после чего получали звание «свободного художника». Не
выдерживавшие соответствующие экзамены не переводились на высшее
отделение или не получали звание «свободного художника».
Требований на экзаменах с самого начала были установлены очень
высокие: окончить консерваторию со званием «свободного художника»
могли только молодые музыканты, готовые к самостоятельной концертной
деятельности и имевшие достаточно обширный репертуар высшего уровня
сложности. Особо отличившиеся награждались золотой или серебряной
медалью. Не сдавшие соответствующие экзамены могли продолжать
обучение (оно было платным; плата составляла примерно 200 рублей в год).
Особо одаренные ученики из неимущих семей в индивидуальном порядке
полностью или частично освобождались от платы. Таким образом,
консерватории могли готовить музыкантов высшей квалификации и в то же
время обучать тех, кто не достигал выдающихся успехов, но хотел учиться
музыке на профессиональном уровне.
На одном из первых заседаний совета Московской консерватории
Н.Г.Рубинштейн произнес речь, в которой указал, что консерватория должна
«… приготовить не только специалистов по тому или иному инструменту, но
и музыкантов в обширнейшем смысле этого слова». В этом высказывании
15
сформулирован важнейший принцип работы и Московской, и Петербургской
консерваторий, который на многие годы вперед определил и их высокий
уровень, и порожденный им высочайший уровень российского
профессионального музыкального образования, а также музыкального
исполнительства в целом.
С 1867 года Петербургскую консерваторию возглавляли немецкий
теоретик Николай Иванович Заремба – авторитетный ученый в области
музыкально-теоретических предметов. Он разработал проект реорганизации
фортепианных классов с тем, чтобы младшие классы были не только
подготовительными к высшим, но и имели самостоятельное значение и
выпускали «элементарных» учителей.
Михаил Павлович Азанчевский возглавлял консерваторию с 1871 до 1876
года. Ему принадлежит идея создания научной библиотеки консерватории на
основе коллекции раритетных зарубежных изданий, собранных в Париже.
Неустойчивость положения в деятельности Петербургской консерватории в
70-е годы было обусловлено сложными отношениями с Главной дирекцией
РМО, смертью Великой Княгини Елены Павловны, русской княгини, супруги
великого князя Михаила Павловича Романова, благотворительницы,
благодаря стараниям которой было учреждено Русское музыкальное
общество, и избранием Главой дирекции Великого Князя Константина
Николаевича Романова. Ежегодно изменялись учебные планы и программы,
заново организованы «научные» (общеобразовательные) классы. Задуманное
А. Г. Рубинштейном «приготовительное училище» для малолетних
музыкантов было создано лишь в 1874 году. Однако оно просуществовало
недолго.
Более десяти лет директором консерватории был выдающийся музыкант
Карл Юльевич Давыдов (1876 – 1887 гг.) – основоположник петербургской
школы виолончелистов, прославленный исполнитель – солист и ансамблист,
организатор классов оркестровой игры и квартета, а также оперного класса.
Он обучался в Лейпцигской консерватории у знаменитого теоретика М.
Гауптмана, некоторое время играл в оркестре Итальянской оперы. Ему был
хорошо знаком высокий уровень музыкальной жизни в городах Германии, и
он понимал, что в России существует большой разрыв в культурном уровне
между провинцией и столицей. Позиция К. Ю. Давыдова была
просветительская: задачу высшей музыкальной школы он видел в подготовке
массовых музыкально-культурных работников. Он считал, что прямая
задача русской консерватории – готовить педагогов, которые могли бы
своей игрой и преподаванием развивать вкус у русской публики, поднимать
ее культурный уровень, а также распространять правильные методы
16
обучения по всей России. К. Ю. Давыдов предпринял ряд мер, носивших
социальный характер: организовал «Общество для вспомоществования
учащимся консерватории», «вспомогательную кассу», начал регулярно
давать классические концерты. Как и предыдущие руководители, пытался
решить проблему «доконсерваторского» образования. Молодые музыканты
готовились к поступлению самостоятельно, и как следствие, это
предопределяло их разный уровень подготовки. К. Ю. Давыдов выдвинул
проект организации в Петербурге музыкального училища, которое готовило
бы кадры для консерватории, но эта идея в тот период не нашла воплощения.
К. Ю. Давыдов вошел в историю консерватории также как автор Устава
1878 года, который считают главным достижением его директорства. В нем
подчёркивался статус консерватории, что она является высшим специальным
музыкально-учебным заведением, и обозначались ее основные
образовательные функции.
С приглашением Николая Андреевича Римского-Корсакова в
Консерваторию в 1871 году начинается новый этап в формировании
профессионального композиторского и теоретического образования.
Молодой профессор кафедры теории композиции и инструментовки,
руководитель оркестрового класса оказывал исключительное влияние на все
стороны консерваторской жизни. Он стремился к упорядочиванию
специальных курсов гармонии (первая программа и первый учебник), создал
программу по теории композиции.
Н. А. Римский-Корсаков считал, что «музыкальное творчество есть высшая
область проявления музыкального таланта и высшая отрасль деятельности в
музыкальном искусстве». Эти слова Н. А. Римского-Корсакова являются
основополагающими в толковании его взглядов и методов профессиональной
подготовки композиторов. Он считал, что «всякий талантливый художник
должен быть одновременно и техником, и поэтом», что «одною техникою
нельзя создать настроения, но ведь и одним поэтическим чутьем нельзя
создать произведения». Им подробно была разработана система
профессионального образования композиторов. Основополагающими в ней
можно считать два положения: о решающем значении для формирования
музыканта жизненной практики и непременной индивидуализации обучения
одаренных учащихся. Теория композиции отождествлялась с практикой
композиции, результаты которой собраны в учебник.
В начале XX века первым директором, который был избран Советом
профессоров Консерватории, а не назначен дирекцией РМО, был
выдающийся русский композитор Александр Константинович Глазунов
(1865 – 1936 гг.) – убежденный последователь классических традиций,
17
бесконечно преданный консерватории и способствовавший ее расцвету в
труднейших исторических условиях. На посту директора Консерватории А.
К. Глазунов проработал в течение почти трех десятилетий с 1905 года,
пережив вместе с ней перипетии новой культурно-исторической эпохи.
В 1918 года Консерватория становится государственным учреждением –
она передана в ведение Наркомпроса. Ректором по-прежнему остается А.
Глазунов, проректором – музыковед широкой эрудиции и блестящего
гуманитарного образования (юридический факультет Московского
университета) А. Оссовский. В числе ведущих профессоров: певец И. Ершов,
пианист Л. Николаев, композитор М. Штейнберг – хранитель традиций
школы Н. А. Римского-Корсакова.
В настоящее время Петербургская Консерватория имеет 7 факультетов:
композиторский, фортепианный, оркестровый, вокально-режиссерский,
дирижерский, музыковедческий, народных инструментов. Среди
профессоров и воспитанников консерватории – прославленные имена
композиторов, дирижеров и режиссеров оперы, балетмейстеров, пианистов,
вокалистов, оркестровых музыкантов, музыкантов-ученых.
История создания Московской консерватории
В Москве примеру своего старшего брата Антона Рубинштейна (или
«петербургского» Рубинштейна, как его стали называть), следовал Николай
Рубинштейн («московский» Рубинштейн). По его инициативе сразу вслед за
созданием РМО открылось московское отделение этой организации, которое
возглавил Н.Г.Рубинштейн. Затем при московском отделении РМО были
созданы Музыкальные классы, в которых прежде изучались элементарная
теория музыки и хоровое пение, а затем начинались занятия по сольному
пению и игре на музыкальных инструментах.
Музыкальные классы с самого начала рассматривались как фундамент
будущей консерватории, и 1 сентября 1866 г. Московская консерватория
начала работу. Директором консерватории стал Н. Г. Рубинштейн. В состав
ее профессуры также входил ряд крупнейших музыкально-артистических и
педагогических имен. Так, профессором по классу скрипки был приглашен
европейский знаменитый виртуоз Фердинанд Лауб; по классу виолончели –
также пользовавшийся мировой известностью Бернгард Косман. Сильнее
всего был класс фортепиано. Кроме самого Н. Г. Рубинштейна, преподавали
18
венский пианист Антон Доор, ученик Карла Черни, русский пианист
Александр Иванович Дюбюк, польский скрипач Генрих Венявский.
В отличие от своего брата Н. Г. Рубинштейн привлекал к преподаванию в
консерватории начинающих молодых русских музыкантов. По классу теории
музыки им был приглашен из Петербурга молодой П. И. Чайковский, затем
воспитанник Петербургской консерватории Герман Августович Ларош.
Преподавание в консерватории в классах фортепиано и скрипки было
разделено между профессорами и адъюнктами(помощниками профессора).
Учащиеся при поступлении сами избирали себе класс одного из профессоров
и поступали к его адъюнкту, если имели не вполне хорошую подготовку.
Курс обучения в Консерватории до 1879 года занимал шесть лет, затем был
увеличен до девяти лет. Он охватывал как музыкальные классы
(инструментальные, вокальный, оркестровый, хоровой, оперный,
теоретические), так и общеобразовательные дисциплины. До 1917 года
обучение было платным .
После смерти Н. Г Рубинштейна на место директора консерватории был
назначен Сергей Иванович Танеев (1885 год). Он занимался корректировкой
учебных программ, например, увеличил курс элементарной теории музыки с
полугодичного до двухгодичного, разделил фортепианные классы на два
профиля – «виртуозный» и «педагогический», разработал и ввел «Программу
класса транспозиции». С. И. Танеев также продолжил формировать кадры из
отечественных преподавателей. Из Петербурга был приглашен А. С.
Аренский, В. И. Сафонов, стал работать А. И. Зилоти, включился в число
педагогов Г. А. Пахульский. Начал преподавать теоретические дисциплины
Н. М. Ладухин. В наибольшей мере перемены коснулись классов пения: в 80-
е годы XIX века были приглашены новые профессоры – выдающиеся
оперные артисты Ф. П. Комиссаржевский и Е. А. Лавровская.
11 мая 1889 года на заседании Дирекции Московского отделения
Императорского Русского музыкального общества единогласно был избран
директором Московской консерватории Василий Ильич Сафонов. В 1880 году
он окончил Петербургскую консерваторию с золотой медалью и в том же
году дебютировал как пианист на одном из концертов Императорского
Русского музыкального общества. До 1885 года В. И. Сафонов преподавал в
Петербургской консерватории, а затем, по рекомендации П. И. Чайковского,
получил место профессора фортепианного класса в Московской
консерватории, в 1889 году был назначен директором консерватории при
поддержке П. И. Чайковского. В 1880-х – 1900-х годах В. И. Сафонов
выступал в качестве дирижёра Императорского Русского музыкального
общества, организовывал общедоступные концерты в Москве.
19
Как пианист, В. И. Сафонов отличался тонкостью художественной
интерпретации, высокой звуковой культурой, изяществом исполнения и
мягкостью тона. Исполнительские принципы В. И. Сафонова,
утверждавшиеся им в педагогической практике, опирались на традиции
русской фортепианной школы, основоположниками которой были братья
Рубинштейн. Будучи руководителем фортепианного класса Московской
консерватории в течение 20 лет, он выработал свои методы фортепианной
игры. Являясь выдающимся педагогом своего времени, В. И. Сафонов при
обучении использовал обширный репертуар, уделял особое внимание
развитию музыкального мышления, мастерству звукоизвлечения;
совершенствуя все элементы фортепианной техники, в тоже время считал
основным передачу художественного замысла композитора. Он проявлял
тонкий художественный вкус в подборе репертуара учащихся – наряду с
западно-европейской классикой знакомил их с современной русской
фортепианной музыкой. В. И. Сафонов завоевал известность как методист.
Он обобщил свой опыт в теоретической работе «Новая формула» – это
пособие, посвященное вопросам техники фортепианной игры, получило
высокую оценку современных пианистов и сохранило значение в современной
педагогической практике.
Среди учеников В. И. Сафонова – пианисты и педагоги, в том числе А. Н.
Скрябин, Н. К. Метнер, Л. В. Николаев, Е. А. Бекман-Щербина, И. А. Левин,
Р. Я. Левина, Елена Ф. Гнесина, М. Н. Мейчик, А. Ф. Гедике, В. Ю. Зограф-
Плаксина, Ю. Д. Исерлис, М. Л. Пресман, P. P. Кенеман, Э. К. Розенов. В. И.
Сафонов возглавлял также класс камерного ансамбля и в качестве его
руководителя оказал воздействие на пианистов, обучавшихся в Московской
консерватории и у других педагогов, в том числе А. Б. Гольденвейзера, К. Н.
Игумнова. В своей дирижёрской деятельности В. И. Сафонов развивал
традиции Н. Г. Рубинштейна. Он был активным организатором юбилейных
симфонических концертов, посвященных М. И. Глинке, А. С. Пушкину, Ф.
Шуберту и других. Работа В. И. Сафонова в качестве руководителя
симфонических концертов Москвы сыграла важную роль в её музыкальной
жизни, ставшей в 1900-е годы особенно интенсивной. В. И. Сафонов был
искусным интерпретатором симфоний Л. Бетховена, одним из лучших
исполнителей симфонических произведений П. И. Чайковского, а также А. К.
Глазунова.
Велика роль В. И. Сафонова в пропаганде и утверждении в оркестровом
репертуаре новых произведений молодых композиторов, в том числе
воспитанников Московской консерватории, в особенности А. Н. Скрябина
(был первым исполнителем его симфонической музыки за рубежом), А. Т.
20
Гречанинова, Р. М. Глиэра, С. Н. Василенко, А. Ф. Гедике. Обладая огромной
волей, выразительной и отточенной «мануальной» техникой.
В. И. Сафонов ввёл в современную музыкальную практику дирижирование
без дирижёрской палочки. В. И. Сафонов как дирижёр добивался раскрытия
целостной концепции крупного произведения, полноты воплощения
авторского замысла. Своей деятельностью в качестве председателя
Московского отделения РМО и директора консерватории В. И. Сафонов внёс
большой вклад в русскую музыкальную культуру. Он активно содействовал
развитию этих учреждений. Благодаря его инициативе построено
существующее ныне здание консерватории с Большим залом. Количество
учащихся в годы работы В. И. Сафонова на посту её директора возросло
почти вдвое. Он привлёк к преподаванию многих талантливых молодых
музыкантов – А. Н. Скрябина, М. М. Ипполитова-Иванова, А. Н. Корещенко,
К. Н. Игумнова и других. В. И. Сафонов впервые осуществил гастроли
учащихся в другие города России.
В 1906 году на место директора Московской консерватории был назначен
Михаил Михайлович Ипполитов-Иванов.
В годы советской власти для подготовки детей рабочих и крестьян к
поступлению в Московскую консерваторию были организованы Воскресная
рабочая консерватория (1927 год) и Музыкальный рабочий факультет (1929
год). Для приёма представителей союзных республик ежегодно выделялись
внеконкурсные (целевые) места. В 1931 – 1932 годах, решая «задачу
пролетаризации», Народный комиссариат просвещения РСФСР принял
решение о переименовании Московской консерватории в «Высшую
музыкальную школу имени Феликса Кона». В эти годы предпринимались
попытки упростить учебные планы, «привести их в согласие с марксистским
методом». В конце 1932 года прежнее название и академический профиль
учреждения были восстановлены.
В настоящее время в Консерватории действуют следующие факультеты:
вокальный, дирижерский, историко-теоретический, композиторский,
оркестровый, фортепианный, исторического и современного
исполнительского искусства.
В состав Консерватории входят аспирантура и ассистентура-стажировка,
музей имени Н. Г. Рубинштейна, оперная студия, сектор педагогической
практики с вечерней музыкальной школой-десятилеткой, научная
музыкальная библиотека имени С. И. Танеева (одна из крупнейших
музыкальных библиотек РФ), Информационно-вычислительный центр,
Лаборатория звукозаписи (с 1947 года), Научно-исследовательская
лаборатория, Научно-исследовательский центр церковной музыки им.
21
протоиерея Димитрия Разумовского, Научно-издательский центр
«Московская консерватория», Научный центр народной музыки им. К. В.
Квитки, Научно-творческий центр современной музыки, а также другие
учебные и научные структуры.
Коллектив Консерватории сейчас насчитывает около 500 преподавателей,
1500 студентов и аспирантов, 500 технических и административных
сотрудников.
Обобщая выше изложенное, можно сделать выводы по особенностям
структуры и образовательных установок Петербургской и Московской
консерваторий. Открытие первых русских консерваторий в 60-е годы
обусловило дальнейшие позитивные процессы, а вместе с ними и сложности
в сфере музыкального образования.
Отличительной чертой этого периода становится огромный разрыв в
уровне и качестве образования между двумя консерваторскими городами
(Москвой и Петербургом) и всеми остальными. Зато в количественном
отношении заметен постоянно увеличивающийся рост различных
музыкальных школ, что доказывало постоянно возрастающую потребность
публики в музыкальном образовании.
Парадокс русского музыкального образования заключался в том, что было
организовано сразу высшее звено при отсутствии среднего. Эта система
просуществовала долгое время.
Альтернативные учебные заведения
конца XIX –начала XX веков
Роль Бесплатной музыкальной школы в системе музыкального
образования
Рост музыкальной культуры в конце XIX века был ознаменован
значительными изменениями в области концертной жизни, оперного театра,
музыкального образования и просвещения.
Одновременно с открытием консерватории в 1862 году в Петербурге
было основано музыкально-просветительское учреждение Бесплатная
музыкальная школа. Её руководителями и инициаторами были известный
хоровой дирижер, руководитель известного в 50–60-х годах
Шереметьевского хора Гавриил Якимович Ломакин (1812 – 1885гг.) и
русский композитор, пианист, дирижёр, глава «Могучей кучки» Милий
Алексеевич Балакирев (1836 – 1910гг.).
Бесплатная музыкальная школа не ставила перед собой задачи воспитания
профессиональных музыкальных кадров. Целью её было распространение
22
начальных музыкальных знаний среди широких масс населения. По типу и
программе своей деятельности она приближалась к общеобразовательным
воскресным школам. На занятия ходили студенты, мелкие служащие,
ремесленники, рабочие. При школе был организован хор и симфонический
оркестр, которые состояли в основном из любителей. Их обучали
элементарным музыкальным знаниям, постановке голоса, игре на
музыкальных инструментах и так далее.
Помимо этого Бесплатная музыкальная школа вела концертную
деятельность. Ежегодно проходила серия симфонических концертов, в
которых М. А. Балакирев руководил оркестром, а Г. Я. Ломакин – хором. Эти
концерты преследовали определенную идейную задачу – пропагандировали
новое русское и западноевропейское искусство. Направление этих концертов
противопоставлялось академической ориентации Русского музыкального
общества.
Таким образом, Бесплатная музыкальная школа и Русское музыкальное
общество становятся враждующими и конкурирующими организациями.
В репертуаре Бесплатной школы наряду с произведениями Л. в. Бетховена
и М. И. Глинки, большое место занимали произведения композиторов
балакиревского кружка, а также Р. Шумана, Г. Берлиоза, Ф. Листа.
Таким образом, Бесплатная музыкальная школа впервые познакомила
русскую публику с такими произведениями, как «Данте-симфония», «Пляска
смерти», части из оратории «Елизавета» Ф. Листа, «Te Deum» Г. Берлиоза и
других. Из русских произведений, впервые исполненных оркестром и хором
Бесплатной школы, выделяются первая симфония Н. И. Римского-Корсакова,
хор «Поражение Сеннахериба» М. П. Мусоргского, симфоническую поэму
М. А. Балакирева «1000 лет», симфоническую картину «Иван Грозный» А. Г.
Рубинштейна.
Создание Московской Народной консерватории
В 1906 году по инициативе передовых деятелей музыкальной культуры –
С. И. Танеева, Е. Э. Линевой, Б. Л. Яворского была открыта Московская
Народная консерватория. Она сыграла важную роль в развитии
прогрессивной музыкально-просветительской педагогики.
В ней было открыто два отделения: общего музыкального образования –
хоровые классы и специального музыкального образования – сольные
классы. Плата в первом составляла 3 рубля в год, во втором — 20 рублей.
23
Учреждение существовало на пожертвования литературно-художественного
кружка, других организаций и частных лиц.
Главной целью создания Московской Народной консерватории было
содействовать народному музыкально-эстетическому воспитанию,
распространять музыкальные знания среди широких кругов населения путём
систематического обучения музыке, внедрять музыкальную культуру во все
слои населения, проводить общедоступные концерты, лекции.
В первый год работы Народной консерватории в разных районах города
действовало 7 хоровых классов. В них обучалось свыше 600 учеников. В
период 1906 – 1916 годы в Московской Народной консерватории получили
образование 2000 слушателей, среди них певица Е. Степанова, А.
Свешников. Особое внимание в Народной консерватории уделялось
изучению народной песни.
Народные консерватории были также открыты в Петербурге (1908 г.),
Саратове (1912 г.), Казани (1945 г.) и других городах .
Классы Народной консерватории, в которых все желающие могли
обучаться игре на музыкальных инструментах, сольному и хоровому пению,
получать музыкально-теоретическое образование, вели крупные музыканты;
в их числе А. Д. Кастальский, С. И. Танеев, А. Б. Гольденвейзер, Л. В.
Николаев, К. С. Сараджев, Ю. Д. Энгель, Б. Л. Яворский; особое внимание
уделялось изучению народной песни (Е. Э. Линёва, Н. Я. Брюсова).
Ведущими в становлении новой системы музыкального просвещения стали
принципы и методы общемузыкального эстетического образования,
выдвинутые С. И. Танеевым. Он считал, что для начала нужно открыть не
концертные – собственно консерваторские классы по сольному
исполнительству, существование которых он считал необходимым для
выдающихся талантов, а музыкальные училища в разных местах города для
всех, кому необходимо музыкальное развитие. Также он отстаивал
необходимость ориентации, прежде всего на общемузыкальное воспитание в
хоровых классах. Хор, хоровое исполнительство он считал той основой, на
которой должно начинаться общее музыкальное развитие широких масс.
Хоровые классы в Московской Народной консерватории являлись
практически творческой базой изучения всех музыкально-теоретических
дисциплин: теории музыки, сольфеджио, основ гармонии, полифонии,
анализа форм, истории музыки. В них развивались навыки исполнительского
мастерства и дирижерско-хоровой техники, готовились дирижерско-хоровые
кадры. Поэтому посещение хоровых классов являлось обязательным не
только для учащихся этих классов, но и для обучающихся в сольных
специальных классах. Это способствовало воспитанию широкого
24
музыкального кругозора, помогала слушателям вокальных классов понять
органическую связь хорового и сольного пения.
Большое значение в музыкально-эстетическом воспитании народных масс
С. И. Танеев придавал народно-песенному творчеству. Московская Народная
консерватория была первым музыкально-учебным заведением, где народно-
песенное творчество не только изучалось, но и являлось одной из основ
учебной и концертно-просветительской деятельности.
Особого внимания заслуживает деятельность Болеслава Леопольдовича
Яворского (1877 – 1942гг). Б. Л. Яворский – выдающийся музыковед,
композитор, пианист, педагог, общественный деятель, доктор
искусствоведения, профессор Киевской и Московской консерваторий. Он
был учеником С. И. Танеева. Б. Л. Яворский – один из самых значительных
деятелей русской и советской музыкальной науки, оказавший воздействие на
всю русскую музыкальную культуру 1-й половины XX века.
Он первым из русских учёных создал обобщающую музыкально-
теоретическую систему – теорию «музыкального мышления»
(первоначальное название – теория ладового ритма). В основу её легло
понимание Б. Л. Яворским музыки как своеобразного вида речи, общения
между людьми. В связи с этим новую трактовку получил ряд понятий, в
особенности – лада. Противопоставив лад прежним понятиям гаммы,
звукоряда, Б. Л. Яворский впервые выделил его как самостоятельную
категорию. Он понимал лад как организацию музыкального мышления и
речи на основе внутренней слуховой настройки. Принципом организации
лада Б. Л. Яворский считал соединение систем (тритон с его разрешением) –
единичной и двойной, и их сочетаний. Исходя из этого, он обосновал
множественность ладов и указал на возможность существования ладов,
отличающихся от мажора и минора. Ладовая концепция Б. Л. Яворского была
тем более актуальна, что в 1-е десятилетие XX века выступили атоналисты,
отрицавшие ладовое мышление вообще. Б. Л. Яворский расширил трактовку
ладовой функциональности (соотношение устойчивости и неустойчивости,
сопряжения и т. п.). В неразрывной связи с ладовой стороной он
рассматривал проблемы ритма (т. е. ладо-временных соотношений в музыке)
и интонационности. Б. Л. Яворский ещё в начале века заложил основы
учения об интонации, ставшей одной из центральных категорий
современного музыкознания. Многие общеупотребительные ныне термины
(интонация, предыкт, названия открытых им ладов – переменный,
увеличенный и др.) были впервые предложены и обоснованы Б. Л. Яворским.
Он обладал исключительной эрудицией в области различных искусств,
25
философии, эстетики, истории и психологии, позволявшей ему успешно
изучать особенности художественного мышления различных эпох.
В начале XX века местные отделения Русского музыкального общества
открыли музыкальные училища в Киеве, Казани, Саратове и других городах
страны.
В 1913 году была основана Киевская консерватория им. П. И. Чайковского
на базе Киевского музыкального училища Российского музыкального
общества (в 1923 – 1928 гг. существовала как Музыкальный техникум, в 1928
– 1933 гг. – как музыкальный отдел Киевского музыкально-драматического
института им. Н. В. Лысенко). С 1934 года стала называться Киевской
государственной консерваторией. В 1940 год ей присвоено имя П. И.
Чайковского.
В составе Киевской консерватории были факультеты — фортепианный,
историко-теоретический, композиторский, дирижёрский, оркестровый,
вокальный; вечернее и подготовительное отделения, аспирантура; 20 кафедр,
ассистентура-стажировка, оперная студия, школа-студия, кабинет-музей Н.
В. Лысенко, фонотека; в библиотеке около 230 тыс. томов.
В работе консерватории участвовали музыканты и теоретики: В. В.
Пухальский, Р. М. Глиер, Г. М. Беклемишев, М. Г. Эрденко, Б. Л. Яворский,
Н. Д. Леонтович, А. Я. Штогаренко, К. Ф. Данкевич, М. И. Литвиненко-
Вольгемут, И. С. Паторжинский и другие. Среди выпускников консерватории
– музыканты: Г. Г. Верёвка, З. М. Гайдай, Г. И. Майборода, П. И. Майборода,
Н. Г. Рахлин, А. Г. Свечников, Д. М. Гнатюк, Е. С. Мирошниченко, Л. А.
Руденко, П. П. Кармалюк, В. С. Тольба и другие.
Система музыкального образования в XX веке.
Советское музыкальное образование
После революционных событий в октябре 1917 года в музыкальном
образовании произошли существенные преобразования. Были
национализированы крупнейшие музыкальные театры, концертно-
филармонические учреждения, консерватории и нотоиздательства. В
концертные и театральные залы пришли люди, до этого мало знакомые с
высоким искусством и отгороженные от него плотным барьером социально-
экономических различий. Приобщение масс к духовным ценностям могло
быть осуществлено лишь в ходе планомерной и долгосрочной работы. В
26
связи с этим возрастает число концертов, большого размаха достигает
хоровое движение. Здесь выделяется деятельность крупнейшего знатока
русского многоголосия Александра Дмитриевича Кастальского.
В 1919 году создан Государственный оркестр народных инструментов
(ныне Академический русский народный оркестр имени Н. П. Осипова),
Ансамбль народного танца, основанный И. Моисеевым, Русский народный
хор под руководством М. Е. Пятницкого, Ансамбль красноармейской песни
(1926 год). Эти объединения наряду с другими многочисленными
профессиональными и самодеятельными коллективами стали носителями
традиций хоровой и танцевальной культуры в стране.
Постепенно складывалась новая система функционирования музыкальной
жизни в обществе. Руководство и материальную заботу о музыкальных
учебных заведениях взяло на себя государство (Декрет Совета Народных
Комиссаров о передаче всех учебных заведений в ведение Народного
комиссариата просвещения от 5 июля 1918 года, открыв путь широкому
распространению общего музыкального образования, предоставив учащимся
профессиональных учебных заведений бесплатное обучение и стипендии.
Благодаря этому открылся доступ к образованию трудящейся молодежи.
Были организованы рабочие факультеты в Московской и Петербургской
консерваториях. Были определены общие принципы, которые легли в основу
перестройки музыкального образования:
1. провозглашение обязательности всеобщего музыкального обучения и
признание огромного значения общего музыкального образования, как для
поднятия культуры народа, так и для выявления музыкальных способностей
людей, пригодных для занятий музыкой;
2. понимание необходимости подготовить музыкантов, которые бы
обладали точно очерченной специализацией (исполнительской,
педагогической, музыковедческой) и в тоже время обладали широким кругом
знаний по своей специальности, по смежным предметам, общественным
дисциплинам;
3. осознание огромной роли производственной практики в самом учебном
заведении и за его пределами (это привело к созданию оперных студий при
консерваториях);
4. установление требования, чтобы музыкант любой профессии мог
сочетать свою профессиональную деятельность с просветительской.
В 20-е годы XX века в Москве и Петрограде открываются массово-
просветительские школы: народные музыкальные школы, школы
музыкального просвещения, народные консерватории, народные курсы
общего музыкального образования. В работе этих учебных заведений,
27
заложивших методические основы советского музыкального образования,
принимали участие видные музыканты: в Петрограде – Б. В. Асафьев, М. Н.
Баринова, С. Л. Гинзбург, В. В. Софроницкий, В. Г. Каратыгин; в Москве –
А. В. Александров, Н. Я. Брюсова, А. Ф. Гедике, А. Д. Кастальский, В. Н,
Шацкая. На начальном этапе организаторы столкнулись с рядом трудностей:
корни одной из них уходили в дореволюционную практику музыкального
обучения, когда не существовало разделения в подготовке будущих
профессионалов и любителей, музыкальное образование не было разделено
на ступени в зависимости от возраста учащихся. Другая проблема – это
возникновение множества музыкальных учебных заведений (курсов,
кружков, студий, техникумов и даже консерваторий), которые не имели
четкого профиля и не могли быть отнесены ни к начальным, ни средним, ни к
высшим учебным заведениям.
Важным событием в развитии системы музыкального образования было
принятие в 1919 году «Основных положений о Государственном
музыкальном университете» . А. В. Луначарский считал, что вся система
специального и общего музыкального образования от начальных до высших
ступеней должна представлять единую непрерывную лестницу. Составители
«Основных положений…» подразделили специальные учебные заведения на
три ступени в зависимости от уровня музыкальных знаний и умений
учащихся. Таким образом, к середине 20-годов XX века стала складываться
определенная структура музыкального образования :
1) начальное музыкальное образование – в виде школ двух типов: 4-
летние (для детей), являвшиеся начальным звеном музыкальных техникумов,
и курсы общего музыкального образования для взрослых, ставивших только
музыкально-просветительские задачи;
2) среднее профессиональное образование – техникумы (исполнительские
и педагогические);
3) высшее – консерватории.
В связи с реформой музыкального образования в Ленинграде появился
Центральный музыкальный техникум, в работе которого отразились новые
творческие веяния и поиски в музыкальной педагогике. В 1925 году был
составлен документ «Положение о Московской и Ленинградской
консерваториях»), в основе которого лежали доклады М. Ф Гнесина, А. В.
Оссовского, М. В. Иванова-Борецкого, Л. В. Николаева, окончательно
утвердившего принадлежность консерватории к высшей ступени
музыкального образования, установившего её структуру (научно-
композиторский, исполнительский и инструкторско-педагогический
факультеты), профиль выпускаемых специалистов, сроки обучения, а также
28
утвердившего институт аспирантов. К 1927 году упорядочивание общей
структуры музыкального образования было в основном завершено, хотя в
дальнейшем происходили некоторые изменения. Так, 4-летние музыкальные
школы были преобразованы в 7-летние (1933 год), при ряде консерваторий
учреждены музыкальные школы-десятилетки, организованы педагогические
институты (в 1944 году был открыт первый такой институт –
Музыкально-педагогический институт имени Гнесиных) и появилось заочное
обучение.
В 1932 году по инициативе профессора А. Б. Гольденвейзера и директора
Московской консерватории С. Т. Шацкого было создано Детское отделение
для подготовки способных учеников к поступлению в музыкальный вуз. С
детьми занимались ведущие профессоры консерватории: пианисты А. Б.
Гольденвейзер, К. Н. Игумнов, Г. Г. Нейгауз и А. В. Шацкес, скрипачи К. Г.
Мострас, Л. М. Цейтлин и А. И. Ямпольский, виолончелисты С. М.
Козолупов и Г. И. Пеккер, теоретик М. Р. Раухвергер и другие. Дети
занимались по сокращённым общеобразовательным программам у
специально приглашённых преподавателей. Занятия проходили в помещении
консерватории.
Одной из образовательных задач был поиск новых форм индивидуальной
работы с учениками, сбалансированного соотношения между
специальностью и общеобразовательными предметами. В мае 1935 года,
согласно постановлению правительства СССР, Детское отделение было
переименовано в Центральную музыкальную школу при Московской
консерватории .
Основной целью ЦМШ было воспитание музыкантов-исполнителей
высокого класса, чьё профессиональное образование сочеталось бы со
всесторонним общим интеллектуальным, художественным и духовным
развитием.
На сегодняшний день в ЦМШ созданы все необходимые условия для
плодотворного обучения, воспитания, разностороннего интеллектуального и
художественного развития особо одарённых детей, которые имеют
возможность добиваться высоких творческих результатов и впоследствии
поступать практически в любые музыкальные вузы России и зарубежных
стран.
Так проходило формирование целостной системы «школа-училище-вуз». И
к середине 70-х годов сложилась следующая система музыкального
образования, которая сохраняется по сегодняшний день.
Низшая ступень – 7-летние музыкальные школы, дающие общее
музыкальное образование. В них изучались следующие дисциплины: игра на
29
инструменте, сольфеджио, музыкальная грамота и теория, хоровое пение и
ансамбли.
К средней ступени относятся 4-летние учебные заведения – музыкальные
училища, которые готовят музыкантов-профессионалов средней
квалификации (инструменталистов, певцов, хормейстеров и теоретиков)
для работы в оркестрах, хорах и преподавания в детских музыкальных
школах. Музыкально-педагогические училища, выпускающие учителей
музыки для работы в музыкальных школах, детских садах. При некоторых
консерваториях и институтах были организованы 11-летние специальные
музыкальные школы, которые готовили учащихся непосредственно к
поступлению в вузы. Здесь учащиеся проходили курс общеобразовательных
предметов, получали начальное и среднее музыкальное образование.
Высшая ступень включает консерватории, музыкально-педагогические
институты и институты искусств. Обучение в них рассчитано на пять
лет. Здесь готовят специалистов высшей квалификации – композиторов,
инструменталистов, певцов, симфонических, оперных и хоровых дирижеров,
музыковедов и режиссеров музыкальных театров. Высшей ступенью также
являются музыкально-педагогические факультеты в педагогических
институтах. Здесь обучаются будущие учителя музыки высшей
квалификации. В большинстве училищ и вузов есть вечернее и заочное
отделения. При многих вузах организована аспирантура (с 3-летним на
очном и 4-летним обучением на заочном отделениях). Она предназначена для
подготовки научных работников и педагогов по истории и теории музыки и
исполнительского искусства, музыкальной эстетике, методике
преподавания музыкальных дисциплин. Подготовка педагогов-исполнителей
и педагогов-композиторов для музыкальных вузов проводится в
организованной при ведущих консерваториях и институтах ассистентуре-
стажировке (очный курс обучения – 2 года, заочный – 3).
Распространение получили курсы повышения квалификации педагогов
музыкальных школ, училищ и вузов при авторитетных средних и высших
музыкальных учебных заведениях.
Сложившаяся система музыкального воспитания и образования имела ряд
недостатков. При внешней сбалансированности и упорядоченности всей
структуры между учебными заведениями различных уровней не было
слитности и единства. Детские музыкальные школы, училища, высшие
музыкальные заведения существовали сами по себе, вне какой-либо
взаимосвязи между собой. Поэтому не всегда самым лучшим образом
отбирались кадры при переходе учащихся музыкантов с одной ступени на
другую, более высокую. Иное дело, когда музыкальная школа, училище, вуз
30
представляют собой единый музыкально-образовательный комплекс, в
котором преподаватели могут в течение продолжительного времени
наблюдать за своими учениками, изучать их сильные и слабые стороны,
постигать их подлинные возможности и точнее определять их
профессиональные перспективы. Другим наиболее распространенным
недостатком советского музыкального образования было «дублирование»
музыкального материала. Учащиеся сначала в школе, потом в училище и вузе
проходили одни и те же явления, феномены, закономерности мировой
культуры. Возникла необходимость в изменении учебно-образовательных
программ по различным музыкально-теоретическим дисциплинам.
При создании музыкально-образовательного комплекса: детская
музыкальная школа, колледж и вуз, – профессиональное обучение детей
строится по принципу непрерывности и преемственности, а все три ступени
представляют собой сообщающиеся, взаимодополняющие структуры.
Примерами таких комплексов стали Центральная музыкальная школа при
Московской государственной консерватории им. П. И. Чайковского (ЦМШ),
Новосибирская специальная музыкальная школа (колледж) при
Новосибирской консерватории им. М. И. Глинки, Средняя специальная
музыкальная школа (колледж) при Казанской государственной
консерватории им. Н. Г. Жиганова и другие.
Музыкальное образование в постсоветском пространстве
В настоящее время значительно увеличилось число музыкальных вузов в
России. Это музыкально-педагогические институты (Музыкально-
педагогический институт им. М. М. Ипполитова-Иванова в Москве),
институты, академии культуры и искусств (Тюменская государственная
академия культуры и искусств, Челябинская государственная академия
культуры и искусств, Московский государственный институт музыки им. А.
Г. Шнитке), консерватории (Магнитогорская государственная консерватория
имени М. И. Глинки, Саратовская государственная консерватория имени Л.
В. Собинова, Уральская государственная консерватория имени М. П.
Мусоргского), музыкальные факультеты университетов (музыкальный
факультет Российского государственного педагогического университета
имени А. И. Герцена, музыкальный факультет Московского педагогического
государственного университета и другие).
Современное время – время быстрых изменений и перемен в социуме. Эти
перемены затрагивают все сферы жизни общества – политику, экономику,
31
культуру, в частности, систему музыкального образования. В нынешних
условиях в новом свете предстают далеко не новые педагогические
проблемы: воспитание учащегося-музыканта в современных условиях, в
быстро меняющейся культурной обстановке; развитие его профессиональных
способностей и интеллектуальных сил в процессе занятий; комплексное,
многогранное развитие ученика; введение в учебную практику новых
направлений в работе, отвечающих реалиям окружающего музыкального
мира; формирование творческой активности и инициативы учащегося;
специфика мотивационных ориентаций; борьба с неуспеваемостью;
использование новых технических средств обучения; дальнейшее
трудоустройство выпускников. Таким образом, образование в современных
российских музыкальных учебных заведениях должно быть качественным,
универсальным, комплексным, подлинно современным. Именно поэтому так
важен принцип многоступенчатой структуры музыкально-образовательного
комплекса: школа – колледж – ВУЗ.
Каждое из звеньев трехуровневой системы образования в сфере культуры и
искусства (детская школа искусств – колледж – вуз) имеет свою историю,
уникальные традиции, трудности становления и развития. Реализация
запланированных мероприятий должна способствовать сохранению лучшего
в российском образовании в сфере культуры и искусства и обеспечить их
адаптацию в новых социально-экономических условиях.
Заключение
Становление классической системы российского музыкального
образования, формирование её национальных традиций проходило в
сложные, противоречивые исторические эпохи, под влиянием конкретных
политических, экономических и социокультурных установок определенных
периодов. Вопрос о необходимости изучения национальных традиций в
области музыкального образования побудил отечественных музыковедов,
педагогов-музыкантов заняться активным исследованием истории
музыкального образования для дальнейшего поиска путей развития
отечественной музыкальной культуры и решения актуальных проблем
современности.
На сегодняшний день сформировавшаяся система классического
музыкального образования полностью оправдывает принцип
многоступенчатой структуры музыкально-образовательного комплекса
«школа – колледж – ВУЗ». Образование в современных российских
32
музыкальных учебных заведениях должно быть комплексным,
качественным, универсальным, подлинно современным, должно сочетать
традиционную основу с новаторскими методами, отвечающими быстро
меняющемуся времени.
Складывавшийся веками принцип такой многоступенчатой структуры
играет главенствующую роль в формировании высококвалифицированных
кадров и способствует наиболее полному раскрытию таланта учащегося.
Такая система не имеет аналогов в мировом образовательном пространстве.
Профессиональное обучение в такой структуре строится по принципу
непрерывности и преемственности. Все три ступени представляют собой
взаимодополняющие, сообщающиеся структуры. Это способствует решению
ряда образовательных проблем, касающихся подготовки
высокопрофессиональных кадров для учреждений культуры и искусства,
выявления одаренных учащихся, поддержки молодежного творчества.
Такая музыкальная система складывалась на протяжении многих эпох,
преодолевая трудности каждого времени. На сегодняшний день начала
действовать Программа развития системы российского музыкального
образования на 2015–2020 годы, которая должна способствовать развитию
отечественной системы музыкального образования в новых условиях
существования учреждений культуры, сохранив при этом сложившиеся
традиции.
33
Список использованной литературы
1. Горлинский, В. Модернизация системы музыкального воспитания и
образования в современной России: актуальные проблемы переходного
периода / В. Горлинский. – Москва, 1999. – 333 с.
2. История русской музыки: Учебник. В 3-х вып. Вып. 1. /
Т. Ф. Владышевская, О. Е. Левашова, А. И. Кандинский. – М.: Музыка, 1999.
– 560 с.
3. Келдыш, Ю. В., Корабельникова, Л. З., Левашова, О. Е. История
русской музыки: 70 – 80-е годы XIX века / Ю. В. Келдыш, Л. З.
Корабельникова, О. Е. Левашова, М. П. Рахманова, А. М. Соколова. – М.:
Музыка, 1994. – 534 с. – Т.8.
4. История современной отечественной музыки: Учебник / под ред.
М. Е. Тараканова. – М.: Музыка, 2005. – 480 с.
5. История современной отечественной музыки: Учеб. пособие / ред.-
сост.
Е. Б. Долинская. – М.: Музыка, 2001. – 656 с.
6. История русской советской музыки: 1917 – 1934 гг. / под ред.
А. Д. Алексеева. – М.: Государственное музыкальное издательство, 1956. –
328 с. – Т. 1.
7. История русской музыки: от древнейших времен до середины XIX
века: Учебник / под ред. А. И. Кандинского. – М.: Музыка, 1980. – 622 с. – Т.
1.
8. История русской советской музыки: 1935 – 1941 гг. / под ред.
А. Д. Алексеева. – М.: Государственное музыкальное издательство, 1956. –
356 с. – Т. 2.
9. Келдыш, Ю. В., Корабельникова, Л. З., Левашов, Е. М. История
русской музыки: 1890 – 1917 годы / Ю. В. Келдыш, Л. З. Корабельникова,
Е. М. Левашов. – М.: Музыка, 2004. – 1071 с. – Т. 10Б.
10. Келдыш, Ю. В. История русской музыки: Учебник. Ч.3. 0/ Ю.В.
Келдыш – М.: Музгиз, 1954. – 525 с.
11. Концепция развития образования в сфере культуры и искусства
в Российской Федерации на 2008 – 2015 годы: распоряжение Правительства
Российской Федерации от 25 августа 2008 г. N 1244-р [Электронный ресурс]
– Электрон. дан. – Режим доступа: http://www.muzuch.ru/files/konzepziya.doc –
Загл. с экрана.
34
12. Миронова, Н. Музыкальное образование в России: история идей / Н.
Миронова // Из истории русской музыкальной культуры: научные труды
Московской государственной консерватории им. П. И. Чайковского. Сб. 35. –
Москва, 2002. – С. 97 – 110.
13. Музыкальное воспитание в СССР / под ред. Л. А. Баренбойма. – М.:
Советский композитор, 1978. – 485 с.
14. Музыкальный словарь Гроува / пер. с англ. Л. О. Акопяна. – М.:
Практика, 2001. – 1095 с.
15. Музыкальная энциклопедия / под ред. Ю. В. Келдыш. – М.: Советская
энциклопедия, 1973. – 1070 с. – Т. 1.
16. Музыкальная энциклопедия / под ред. Ю. В. Келдыш. – М.: Советская
энциклопедия, 1976. – 1106 с. – Т. 3.
17. Музыкальная энциклопедия / под ред. Ю. В. Келдыш. – М.: Советская
энциклопедия, 1982. – 1002 с. – Т. 6.
18. Одоевский, В. Ф. Музыкально-литературное наследие / В. Ф.
Одоевский. – М.: Государственное музыкальное издательство, 1956 – 722 с.
19. Орлова, Е. М. Лекции по истории русской музыки / Е. М. Орлова. – М.:
Музыка, 1977 – 383с.
20. Провозина, Н. М. Лекции по истории русской музыки (вторая
половина XX века) / Н. М. Провозина. – Томск: Графика, 2003. – 218 с.
21. Рапацкая, Л. А. История русской музыки: от Древней Руси до
«серебряного века»: Учеб. для студ. пед. высш. учеб. заведений/
Л. А. Рапацкая. – М.: ВЛАДОС, 2001. – 384 с.
22. Энциклопедический музыкальный словарь / сост. Б. С. Штейнпресс, И.
М. Ямпольский – М.: Советская энциклопедия,1966. – 629 с.
