Ученики на Учителя.com


Конспект урока "Музыка Венгрии" 4 класс

Муниципальное общеобразовательное учреждение
«Гарбузовская средняя общеобразовательная школа»
Алексеевского района Белгородской области
Конспект урока по музыке
на тему: «Музыка Венгрии».
Разработала : Борзова Валентина Сергеевна
Учитель начальных классов
муниципального общеобразовательного учреждения «Гарбузовская средняя общеобразовательная
школа»
Алексеевского района Белгородской области
Тема урока: «Музыка Венгрии».
Цели: - Сформировать знания учащихся о чешской и венгерской музыке;
- Проследить связь чешской и венгерской музыки;
- Воспитывать интерес к чешской и венгерской музыке;
Средства обучения: пианино музыкальный центр.
Ход урока
I. Организация начала урока.
Приветствие.
II. Введение в тему урока.
1) Венгерская музыка — неотъемлемая часть культуры этой страны. На протяжении
всего года в Венгрии проходят всевозможные концерты и фестивали. Конечно же,
главным «эпицентром» музыкальных событий является Будапешт. Здесь можно
найти музыкальные мероприятия на любой вкус. Так, например, каждое лето на
Обудайском острове проводится известный фестиваль «Сигет». Ежегодно на него
приезжает более 400 тысяч человек из разных уголков мира. Живут они здесь же, на
острове: разбивают палатки и веселятся от души, дожидаясь вечера, когда на сцену
выходят знаменитые группы и исполнители. Среди гостей фестиваля в разное время
были такие мировые звезды, как David Bowie, The Prodigy, The Cardigans, Rammstein,
Morcheeba, Placebo, HIM, Muse, Sugababes, The Pet Shop Boys, Nick Cave, Natalie
Imbruglia, The Rasmus и многие другие.
Любители классической музыки могут насладиться великолепной игрой музыкантов
в Будапештской консерватории, одном из старейших концертных залов страны.
Поклонников оперы ждет роскошное здание Венгреского государственного оперного
театра. Тем же, кто предпочитает более легкий жанр оперетты, рекомендуем посетить
Будапештский театр оперетты, в богатый репертуар которого входят такие всемирно
известные мюзиклы, как «Ромео и Джульетта», «Моцарт», «Красавица и чудовище» и
другие. В гостеприимных тавернах и ресторанах раздаются звуки зажигательной
цыганской музыки, а танцевальные коллективы исполняют знаменитый чардаш.
Начиная с весны и заканчивая осенью музыку можно услышать на самых разных
подмостках и сценах, под открытым небом и среди колоритных декораций. В
импозантных дворцах, некогда принадлежавших богатым дворянским семьям,
исполняются концерты классической музыки и проходят оперные постановки, в
средневековых крепостях звучат старинные музыкальные инструменты, в городках и
деревеньках проходят фестивали с народными песнями и танцами,…
Безусловно, Венгрия является одной из самых музыкальных стран Европы, где
современные направления мирно уживаются с классикой и народным творчеством.
2) Народная музыка
Венгрия имеет богатую музыкально-танцевальную традицию. Она крайне
разнообразна и включает в себя черты музыкальной культуры соседних стран и
регионов — Румынии, Словакии, северной Польши, Моравии… Вплоть до XIX века
венгерскую народную музыку отождествляли с музыкой, которую исполняли
цыганские оркестры. Она возникла в конце XVIII века и называлась вербункош. Под
вербункошом подразумевают не только музыкальный стиль, но и одноименный
танец, для которого характерен постепенный переход от медленных темпов к
быстрым. Подобный переход имел особое смысловое значение — он символизировал
национальный венгерский характер (стоит заметить, что появился он как раз в эпоху
пробуждения национального самосознания). Первоначально вербункош исполняли во
время набора рекрутов, чтобы вдохновить юношей на вступление в ряды армии.
Известная мелодия в стиле вербункоша — так называемый марш Ракоши — вошел в
произведения композиторов Ференца Листа и Гектора Берлиоза. Происхождение
вербункоша точно не известно, однако установлено, что он включает в себя черты
старинных венгерских танцев, равно как элементы балканской, славянской,
левантинской, итальянской и венецианской музыки. С течением времени вербункош
приобрел популярность не только в крестьянской среде, но и у представителей
дворянства. К концу XVIII века народный музыкальный стиль часто встречался в
оперных постановках, произведениях камерной и фортепьянной музыки. В XIX веке
вербункош начали воспринимать как неотъемлемую часть музыкального романтизма
Венгрии. Во многом это произошло благодаря творчеству выдающегося скрипача
того времени Панны Цзинки, композитора Антала Чермака и руководителя
цыганского оркестра Яноша Бихари. Среди музыкантов современности,
исполняющих вербункош, наиболее известны представители музыкальной династии
Лакатошей — Шандор и Роби Лакатош.
Долгое время венгерскую народную музыку отождествляли с музыкой цыган.
Действительно, Венгрия всегда была одной из тех европейских стран, где она
получила наибольшее развитие. И в наши дни цыганская музыка Венгрии пользуется
заслуженной славой в мире. В число наиболее известных исполнителей входят Андо
Дром, Романи Рота, Кайи Яг, Симеа Лакотоши, широко известны цыганские
музыкальные коллективы — Hungarian Gypsies, Project Romani, Kalman Balogh’s
Gypsy Cimbalom и другие. Цыганская музыка постоянно развивается, в ней
появляются новые направления и стили, среди которых наибольшей известностью
пользуется цыганский джаз.
В отличие от цыганской музыки, подлинное народное музыкальное искусство
Венгрии долгое время было скрыто в крестьянской среде. Благодаря деятельности
таких выдающихся композиторов, как Бела Барток и Золтан Кодай, оно стало
известно широкой публике. Анализируя народные мелодии, Кодай и Золтан
установили, что венгерская народная музыка основана на одном из древнейших
звукорядов — пентатонике, впервые появившейся у древних народов Азии, Америки
и Океании. Пентатоника — это звуковая система, содержащая 5 звуков в октаве. Эту
же систему использовали и народы финно-угорской группы.
В 1970–е годы в Венгрии появилось движение «танцхаз», участники которого
выступают против усредненной фольклорной музыки и стараются сохранить
странные песенные традиции. Название движения, в переводе на русский
означающее «танцевальный дом», связано со странным трансильванским обычаем:
молодежь села снимала за плату дом, чтобы проводить там вечеринки с танцами. В
70-е годы этот обычай переняли молодые венгры, посещавшие Трансильванию.
Среди них были музыканты и этнографы, которых привлекала сохранившаяся почти
что в первозданном виде народная культура.
Танцевальные дома начались с деятельности Белы Халмоша и Ференца Шебо,
занимавшихся коллекционированием крестьянских народных инструментов и песен,
а также Дьёрдя Мартина и Шандора Тимара, изучавших народные танцы.
Возвращение к корням было с восторгом принято венгерским обществом,
стремившимся выразить свой протест против официальной власти. В 80-е годы
обычай проводить конец недели в домах танца стал одним из популярнейших
альтернативных способов коллективного общения. Здесь оркестры на аутентичных
инструментах (скрипке, трехструнной виоле-браче, венгерских цимбалах) исполняли
старинную крестьянскую музыку, аккомпанируя певцам и певицам, перенявшим от
крестьян традиционную манеру пения. И конечно же, ни один из таких вечеров не
обходился без танцев, причем не только венгерских, но и соседних народов —
славян, греков, румын.
Среди исполнявшихся танцев был и знаменитый чардаш, без которого просто
невозможно представить себе народную культуру Венгрии. Чардаш появился в
первой трети XIX века. Своим происхождением он обязан вербункошу, а также
крестьянским парным танцам разных областей Венгрии. «Популяризацией» танца
занимались музыкальные цыганские коллективы, которые познакомили с ними
жителей соседних Воеводины, Словакии, Словении, Хорватии, Трансильвании и
Моравии. Главной особенностью чардаша является вариация темпов музыки — от
совсем медленных к очень быстрым. В зависимости от музыкального рисунка
различают немало видов чардаша — спокойный, оживленный, трясучку и т. п.
Зажигательные мотивы чардаша вошли в произведения многих известных
европейских композиторов — Имре Кальмана, Ференца Листа, Иоганнеса Брамса,
Иоганна Штрауса, Пабло де Сарасате, Петра Ильича Чайковского.
3) Классическая музыка
Классическая музыка составляет важную часть культурного наследия Венгрии. Имя
самого выдающегося венгерского композитора Ференца Листа известно даже тем,
кто далек от искусства. Лист родился 22 октября 1811 года в деревне Доборьян. Отец
композитора работал управляющим в имении графа Эстерхази. Будучи сам
музыкантом-любителем, он поощрял интерес сына к музыке и преподавал ему
первые уроки игры на фортепиано. Первый концерт Листа состоялся в соседнем
городке Шопроне, когда юному музыканту было всего 9 лет. В скором времени он
был приглашен во дворец Эстерхази. Услышав игру талантливого мальчика,
несколько венгерских дворян, друзей графа, вызвались оплатить его дальнейшее
музыкальное образование. Ференц отправился учиться в Вену, где его
преподавателями стали выдающиеся музыканты той эпохи А. Сальери и К. Черни. 1
декабря 1822 года состоялся первый венский концерт Листа, во многом
предопределивший его дальнейшую судьбу — критики и публика пришли в восторг
от великолепной игры музыканта. С тех пор Листу были обеспечены полные залы.
Значительное влияние на формирование творческого стиля композитора оказало
творчество Г. Берлиоза и Ф. Шопена, с которыми он познакомился в конце 20-х
годов. В начале 30-х годов кумиром Листа стал итальянский скрипач-виртуоз Николо
Паганини. Композитор задался целью выработать столь же блестящий фортепианный
стиль, и в скором времени уже практически не имел себе равных как пианист-
виртуоз.
Музыкальное наследие Листа составляет более чем 1300 произведений, большая
часть из которых — фортепианные. Среди этого грандиозного списка самыми
популярными произведениями являются знаменитые «Грезы любви», 19 Венгерских
рапсодий, цикл из 12 трансцендентных этюдов, три цикла небольших пьес под
название «Годы странствий». Листу принадлежат также более 60 песен и романсов
для голоса с фортепиано и несколько органных сочинений. Значительную часть
фортепианного наследия композитора составляют транскрипции и парафразы музыки
других авторов, в том числе переложения симфоний Бетховена и фрагменты из
произведений Баха, Беллини, Вагнера, Верди, Глинки, Гуно, Моцарта, Паганини,
Сен-Санса, Шопена, Шуберта, Шумана и других.
Будучи приверженцем идеи синтеза искусств, Лист стал создателем жанра
симфонической поэмы, которая была призвана выражать внемузыкальные идеи или
пересказывать музыкальными средствами произведения литературы и
изобразительных искусств. Единство композиции достигалось введением
лейтмотивов, или лейтем, проходящих через всю поэму. Самые интересные из
симфонических поэм Листа — «Прелюдии», «Орфей» и «Идеалы».
Вплоть до последних дней своей жизни композитор продолжал давать концерты.
Новаторство Листа проявилось не только в его произведениях, но и в самой манере
его игры. Порывая со старой традицией, он развернул рояль так, что публика могла
видеть профиль музыканта. Иногда Лист устраивал из своих концертов настоящие
шоу — ставил на сцену несколько инструментов и переходил от одного к другому,
играя на каждом одинаково виртуозно. При этом, подобно современным рок-звездам,
композитор в эмоциональном порыве нередко ломал инструменты, что приводило
публику в неописуемый восторг.
В начале 1886 года Лист, которому тогда было 75 лет, отправился в Англию, где был
принят королевой Викторией. Из Англии уставший и неважно себя чувствовавший
композитор поехал в Байрот, чтобы принять участие в ежегодно проходившем там
Вагнеровском фестивале. В этом городе 31 июля 1886 года он умер. Лист был одной
из самых значительных фигур на музыкальном олимпе своей эпохи, чье творчество
оказало сильное влияние на многих музыкантов последующих эпох.
Конец XIX — начало XX века принято считать периодом наибольшего расцвета
венгерской классической музыки. К этому времени относится творчество двух
других выдающихся композиторов Венгрии — Белы Бартока и Золтана Кодая.
Именно они первыми открыли народное музыкальное искусство, веками скрытое в
крестьянской среде. Своей деятельностью в 1905–1926 годах они положили начало
сбору богатого и красивого песенного материала, и этим спасли его для мировой
культуры. К наиболее популярным произведениям Бартока следует отнести шесть
румынских танцев для фортепиано, некоторые из оркестровых произведений (Вторая
сюита, Дивертисмент для струнного оркестра, Третий фортепианный концерт и др.),
а также фортепианные и вокальные сочинения. Кодая прославили его «Венгерский
псалом» на слова Четвертого псалма, а также сюита из оперы «Хари Янош». Кроме
того, Кодай занимался музыкальной критикой и чтением публичных лекций. Ему
принадлежит 4-томное собрание фольклорных материалов под названием
«Венгерская народная музыка».
Венгрия является родиной многих других известных композиторов, дирижеров и
музыковедов, таких как Эрнё Дохнайи (композитор и пианист), Ласло Лайты
(композитор и музыкальный фольклорист), Штефана Хеллер (композитор), Антала
Дорати (дирижер), Джоржа Селла (пианист и дирижер) и других.
4) Венгерская опера и оперетта
На протяжении более чем трех столетий Венгрия считается одной из ведущих
оперных держав Европы. Одним из символов Будапешта является великолепное
неоренессансное здание Венгерского государственного оперного театра,
возвышающееся на проспекте Андраши. В начале каждого сезона перед ним
выстраивается длинная очередь за абонементами.В Если подойти ближе, то можно
заметить, что среди людей здесь стоящих всегда очень много молодежи. Возможно,
это связано с тем, что венгерские оперные исполнители с удовольствием
экспериментируют с музыкальными жанрами, привнося в классические постановки
элементы современной музыки. Так, например, знаменитая исполнительница Эрика
Миклоша предприняла попытку соединить оперу с техно, а в программе фестиваля
«Сигет» нередко звучат оперные произведения в весьма неожиданной постановке.
Основоположником венгерской национальной оперы стал композитор и дирижер Ф.
Эркель. Первая его опера «Мария Батори» была поставлена на сцене Национального
театра в 1840 году. За ней появились и другие произведения композитора, среди
которых наиболее известными являются опера «Ласло Хуньяди», «Банк Бан»,
«Король Иштван» и др. Самая колоритная и популярная опера Эркеля — «Банк Бан».
В 2001 году по ней был снят фильм, в котором сыграли такие всемирно известные
звезды, как Ева Мартон и Андреа Рошт.
Во второй половине XIX века в репертуаре венгерских оперных театров появились
произведения других композиторов — М. Мошоньи, К. Терна, Ф. Доплера, Д. Часара,
И. Богнара, К. Хюбера, Е. Кубая и других. К концу XIX века особой популярностью
пользовались оперы К. Голдмарка.
Венгерская опера динамично развивается и в наши дни, появляются новые темы,
обогащается исполнительская манера, трансформируется язык произведений. К
композиторам молодого поколения принадлежат Д. Рааки (опера «Платье короля
Помаде»), Т. Польгар (опера «Сваты») и др.
III. Слушание
1) Полька чешская народная песня – танец.
- Какая это песня?
- О чём?
- Какие чувства вызывает?
Вокально – харовая работа.
IV. Разучивание песни.
V. Итог урока.
- С каким произведением мы познакомились?
- Что нового узнали?
VI. Оценивание.
Конспект урока по музыке
проведённого в 4 «А» классе
МОУ СОШ №5 г. Валуйки
студенткой 41 группы
школьного отделения
Борзовой Валентиной Сергеевной
Учитель _______ _
Тема урока: «Музыка Италии».
Цели: - Сформировать знания учащихся о музыке Италии;
- Проследить связь русской и итальянской музыки;
- Воспитывать интерес к музыке Италии;
Средства обучения: пианино музыкальный центр.
Ход урока
I. Организация начала урока.
1) Приветствие.
II. Введение в тему урока.
Италия до известной степени считается колыбелью музыкального искусства,
многие отрасли которого получили в ней свое первоначальное развитие.
Музыка римлян до Р. Хр. сперва находилась под влиянием музыки
этрусков. Ей сопровождались драматические представления, ею
пользовались на празднествах, при жертвоприношениях, в военных
походах. В самую позднюю пору римской цивилизации является целый
ряд писателей о музыке, из которых Боэций, изложивший в своих пяти
книгах "О музыке" теорию греков, положил этим трудом основание всей
средневековой теории музыки. С водворением христианства музыка
получает свое развитие в церкви. Первыми крупными деятелями в области
церковной музыки являются: Амвросий, епископ миланский (см. соотв.
статью) установивший четыре аутентических лада и амвросианское пение,
основанное на этих ладах, и папа Григорий Великий (см. соотв. статью),
прибавивший четыре плагальных лада к амвросианским, расширивший
пение католической церкви и составивший сборник напевов
(антифонарий). Нотные знаки — невмы, принятые Григорием в
антифонарии, могут считаться прототипом нашей современной нотации.
Еще большее внимание на нотацию обратил Гвидо Аретинский (см. соотв.
статью). Помещая невмы на линиях и между ними, он достиг точного
обозначения каждого звука. Введение упрощенного нотоносца составляет
большой шаг вперед в усовершенствовании нотного письма. Большое
значение имеет и сольмизация Гвидо Аретинского. Хотя нидерландцы
внесли в Италию искусство контрапункта, но именно здесь контрапункт
достиг высшей степени развития в творениях Палестрины, гениального
представителя римской школы духовной музыки. Эта музыка имела также
замечательных деятелей в лице Андрея и Джованни Габриели (см. соотв.
статью), в блестящей венец. школе. Последний оказал большое влияние на
развитие инструментальной музыки. Хотя в Италии культивировался
контрапункт, развилась гармония, но с наибольшей любовью итальянский
народ относился и относится к выразительной мелодии. В этом и лежит
главная причина успеха итальянской музыки в прошлых веках и в
настоящее время. Несмотря на то, что полифоническая многоголосная
музыка в XV и XVI ст. царила повсюду в Италии, стремление в
мелодичной одноголосной музыке, с более легким сопровождением,
прорывалось, усиливалось и наконец в конце XVI и XVII ст. взяло верх.
Зародыш гомофонического стиля, состоящего из мелодий с аккордовым
сопровождением, встречается еще в XVI ст. у певцов с лютней, в светских
хорах "фротоле" и, наконец, в мадригалах. Большей самостоятельностью в
этом направлении выделяется Винченцо Галилей (конец XVI ст.),
положивший на голос, с аккомпанементом виолы, сцену Уголино из "Ада"
Данте, и др. В гомофонном же стиле написал свои церковные концерты
Лодовико Виадана (см. соотв. статью). Джулио Каччини написал собрание
сочинений для пения соло, изданное в 1602 г. под названием "Новой
музыки". Влияние полифонной музыки было настолько сильно, что в
драматических представлениях XV — XVI ст. даже слова отдельных лиц
пелись хором. Во Флоренции, в эпоху Возрождения, впервые было
обращено внимание поклонниками древнегреческой трагедии на введение
гомофонии в сценические представления. Речитативная форма
выработалась благодаря кружку музыкальных деятелей (Винченцо
Галилей, Джулио Каччини, Яков Пери, Эмилио Кавальере, либреттист
Ринуччини), собиравшихся во Флоренции сперва у графа Варди, а затем у
Джованни Корси. Первую драму с музыкой, "Дафне", написал Пери (1594).
Сухой речитатив в опере переходит в более округленную мелодию
(ариозо) благодаря Монтеверди, много содействовавшему развитию
драматического стиля. Этот замечательный новатор впервые применил
неприготовленные диссонансы, ввел в оркестровку тремоло, пиччикато на
струнных. Опера распространилась из Флоренции по многим городам
Италии и получила особое развитие в сочинениях Алессандро Скарлатти,
установившего форму арии (с da capo) и форму И. увертюры, имевшей
впоследствии большое влияние на развитие симфонических форм. Он же
ввел речитатив с аккомпанементом (recitativo accompagnato, a tempo). Его
ученики — Лео, Порпора, Логрошино, Греко. Из них Лео своими
концертами для виолончели, с аккомпанементом трех струнных
инструментов, положил начало квартетной музыке. Логрошино создал
комическую оперу (opera buffa), в отличие от большой, названной opera
seria. К неаполитанской школе принадлежат еще Перголезе, автор
комических опер, Никколо Пиччини, развивший арию с da capo в форму
рондо, Паэзиелло, Чимароза, Сарти. По мере своего развития, итальянская
опера все более получала виртуозный характер: успех композитора был
связан с большим количеством эффектных, колоратурных арий, внешняя
сторона преобладала над музыкальной драмой. Виртуозное пение
продолжало составлять главную сущность итальянской оперы в начале
XIX ст. Более серьезное отношение к задаче музыкальной драмы заметно,
до известной степени, в последних операх Россини, в особенно в опере
"Вильгельм Телль", в которой выступает верная драматическая
декламация, музыкальная характеристика, стремление к местному
колориту. К числу выдающихся итальянских композиторов первой
половины XIX ст. принадлежат Спонтини, Беллини, Доницетти; к более
позднему времени — Верди, поставивший итальянскую оперу на большую
художественную высоту, которой современные итальянские композиторы
(Бойто, Понкиелли, Маркетти, Масканьи, Леонковалло) еще не достигли.
Духовная музыка после Палестрины начала постепенно подпадать под
влияние оперы. Влияние гомофонии сказалось в кантатах Кариссими,
сочинениях Страделлы, Перголезе и др., хотя строгий контрапунктический
стиль культивировался еще многими композиторами, напр. Алессандро
Скарлатти, Клари и пр. Оперное влияние особенно сказалось в Венеции,
где в XVII ст. в церковную музыку проникли речитатив, ария и пр.; но и
тут были представители контрапунктического направления, как то
Легренци, Лотти, Кальдара, Марчелло, и позднее Галлуппи. В Венеции
развилась до высокой степени форма фуги, в особенности благодаря
трудам Алессандро Польетти. В более позднее время оперный стиль взял
окончательный перевес, что можно видеть в псевдодуховных
произведениях Россини и Верди. В стране мелодии искусство пения не
могло не достичь полного совершенства. Итальянская школа пения
считается, по справедливости, лучшей. Отличительные черты ее: простота,
натуральность, свобода, полет, благородство, сила, уверенность, чистота и
естественность интонации, четкое произношение, как в речитативе, так и в
cantabile, блестящая отделка колоратуры. К числу основателей сольного
пения относятся Винченцо Галилей, Каччини, Пери. Замечательные
учителя пения XVII — XVIII ст.: Кариссими, Алессандро Скарлатти,
Маццокки, Пистокки, Бернакки. Певцы того же времени — Ферри,
Фаринелли, певицы — Виктория Архилеи, Фаустина Бордони (XVIII ст.).
К более позднему времени принадлежат певцы Рубини, Тамбурини,
Лаблаш, Марио, певицы Джулия Гризи, Бозио, Лагруа, Патти. Из
пианистов известен Доменико Скарлатти (XVIII ст.), считающийся
основателем сонатной формы; из скрипачей — Корелли, считающийся
основателем художественной игры на скрипке, Тартини, сильно
подвинувший технику, Локателли, Паганини; из органистов —
Фрескобальди (XVII ст.), улучшивший органный стиль,
усовершенствовавший форму фуги; из инструментальных мастеров —
Кристофори, изобретший фортепиано с молоточками в 1711 г.
Замечательные скрипичные фабриканты: Амати в Кремоне, Гварнери,
Страдивари. В конце XV в. изобретен фагот, Афранием в Ферраре. Из
теоретиков замечательны: Иоанн Тинкторис (XV ст.), Варфоломей Рамо де
Парейя (XV ст.), Царлино (XVI ст.). Лоренцо Пенна (XVII ст.), падре
Мартини (XVIII ст.) и пр. Теория музыки разрабатывалась
преимущественно в Болонье. Вообще, Италия занимает в истории музыки
весьма видное место. Н. Соловьев.
III. Слушание.
«Летите голуби». И. Дунаевский
- Какая это песня?
- О чём?
IV. Вокально – хоровая работа.
Разучивание песни.
V. Итог урока.
- Что узнали на уроке?
- С чем познакомились?
VI. Оценивание.
Скачать материал

Музыка - еще материалы к урокам: