Ученики на Учителя.com


Справочные материалы по предмету "Мировая художественная культура" по теме "Импрессионизм"

Муниципальное автономное учреждение дополнительного образования
ЗАТО Северск «Детская школа искусств»
Справочные материалы по предмету «Мировая художественная
культура» по теме «Импрессионизм»
подготовила
преподаватель фортепиано и МХК
Колесникова Лариса Васильевна
Северск
2018
Импрессионизм
Методическое пособие по импрессионизму является своеобразным
справочником для подготовки учащихся к Олимпиаде. Чтобы помочь учащимся
разобраться в основных достижениях и недостатках импрессионизма, в пособии
систематизирован материал, который включает имена художников-
импрессионистов, большое количество фактического материала, концентрирует
гениальные находки в области изобразительного искусства мастерами второй
половины XIX века.
Учащиеся должны понять, что импрессионизм является естественным
продуктом эволюции французской школы искусства, закономерным и логическим
завершением поисков нового живописного содержания, связанных с мощным
реалистическим движением в искусстве Западной Европы XIX века. Художники-
импрессионисты были новаторами, творчество которых во многом определило
пути дальнейшего развития изобразительного искусства.
В первом разделе содержатся основные термины и понятия, которыми
должен овладеть учащийся при изучении импрессионизма, знать события
художественной жизни Франции этого периода, понимать их место и роль в
художественной жизни общества. Особое внимание уделяется вопросу, какие
произведения импрессионистов находятся в музеях России и Франции.
Расположение материала связано с творчеством каждого из ведущих
мастеров этого направления. В связи с тем, что одним из вопросов на Олимпиаде
будет анализ произведения, поэтому мы считаем уместным предложить учащимся
план анализа и рекомендуемый словарный запас слов, которые учащиеся могут
использовать при выполнении этого вида задания.
Подготовка к Олимпиаде предполагает знание иллюстративного материала.
Практические занятия с учащимися являются необходимым условием
визуального знакомства с памятниками искусства.
Справочные материалы по теме «Импрессионизм»
Импрессионизм - от франц. "impression" - впечатление. Название
произошло от названия картины К. Моне "Впечатление. Восход солнца" и
принадлежит критику Луи Леруа. Слово закрепилось за ними, очень быстро
утратив негативное значение.
История начинается с 1863 года, когда "Завтрак на траве" был не допущен к
показу и был организован Салон Отверженных, затем в 1865, когда была
выставлена работа Э. Мане "Олимпия", вызвавшая скандал.
В 1874 году с 15 апреля по 15 мая прошла выставка "Анонимного общества
художников, живописцев, скульпторов, граверов и пр.", которая ныне известна
как Первая выставка импрессионистов. В ней приняли участие 30 молодых
художников, которые не желали ждать, когда их произведения допустят к
ежегодному Салону. На первой выставке независимых художников и была
представлена работа К. Моне, а также работы других художников (Б. Моризо
"Колыбель"). Последняя выставка состоялась в 1886 году. Всего было 8 выставок.
Художники собирались в кафе Гербуа на улице Батиньоль.
Импрессионизм возник как бунт против официального искусства. Истоки
импрессионизма определил критик Дюрэ: "Импрессионизм не возник сам по себе,
он не растет как грибы. Он является естественным продуктом эволюции
французской школы искусства". Импрессионизм является закономерным и
логическим завершением поисков нового живописного содержания, связанных с
мощным реалистическим движением в искусстве Европы в конце XIX века.
Причины возникновения
1. Необходимость создания новой картины видения мира, так как старая
препятствовала отражению новых явлений жизни.
2. Научные открытия: фотография, изучение законов преломления цвета,
исследования по восприятию человеческого глаза: глаз видит цветовые
точки, только по опыту с помощью сознания мы соединяем их, придавая
форму.
3. Работа на пленэре стала возможной благодаря изобретению мягких тюбиков
для краски (раньше в ящичках). Краски были более густыми, их разводили
скипидаром. Требовалось немного изменить технику письма и можно было
использовать уже "готовые" цвета, которые раньше получали смешиванием
на палитре.
Предшественники импрессионистов
Предшественниками импрессионистов были мастера: Э. Делакруа, Г. Курбе,
К. Коро, англичанин Дж. Констебль, мастера барбизонской школы: Теодор Руссо,
Жюль Дюпре, Шарль Добиньи.
Одним из почитаемых художников был Г. Курбе. Называли его великим,
признавали заслуги. Курбе оказал влияние на многих из них. Видели в нем
союзника, делали одно дело - выступали против академизма в живописи.
Особенности и достижения импрессионистов
Каждый из художников отличается самобытностью своего дарования,
индивидуальностью творческой манеры. Несмотря на то, что все они имели одних
и тех же предшественников, одни взгляды на искусство и владели общим
творческим методом, все они по своим излюбленным образам и художественным
средствам весьма различны.
• не писали больших тематических полотен;
• отсутствует критика действительности;
• новая система художественного видения мира;
• переосмысление традиционных представлений в системе жанров,
расширение границ, взаимопроникновение, а порой и растворение одного в
другом. Портреты тяготеют к бытовому, бытовой сливается с пейзажем;
• новый сюжет и тематика - тема города, изображение простых людей,
занятых посведневными делами. Сюжет имел второстепенное значение. Им
было все равно, что писать: предметом изображения могли стать стог сена,
церковь, солнечные зайчики на водной поверхности;
• главный принцип живописи - живопись с натуры, под открытым небом - на
пленэре;
• передача мгновения, стремление выхватить его из потока изменяющейся
действительности и запечатлеть на полотне - в этом сходство с
фотографией. Каждый миг жизни достоин того, чтобы запечатлеть его на
полотне. Умение видеть прекрасное в обыденном и повседневном;
• отсюда - особенности композиции. Используют фрагментарность, часто
срезают фигуры, как в кадре (кадрировка), этим усиливают впечатление,
что изображение - часть большого мира. Используют разнообразные точки
зрения - фронтальная, боковая, сверху. Часто применяют диагональное
направление в организации картины. На первом плане часто оказывается
самое яркое пятно, которому подчиняются остальные гармонические
соотношения тонов.
• Рассматривают картину как этюд, выполненный на пленэре в один сеанс.
Этюдность создает эффект реальности времени. Главное - передать то, что
происходит здесь и сейчас, в конкретный отрезок времени. Эскизность
письма призвана передать видимость наброска, мгновенного отпечатка
явления. Вся система живописных средств направлена на передачу этого
мироощущения.
• внимание ко внутреннему миру человека, его созвучие с миром природы. Э.
Золя писал: "Они прежде всего очень человечны, и своей человечностью
измеряют каждый листок и каждую веточку".
• избегают деления персонажей на второстепенные и главные;
• взаимодействие света и цвета - огромная заслуга!
• обогащение живописной техники. Раньше краски смешивали на палитре и
затем наносили на холст. Импрессионисты считали, что художник должен
писать только 7 чистыми красками спектра и изгнать с палитры все
остальные. Они не использовали черный цвет, так как его нет в природе,
кроме Э. Мане. Белый цвет является источником всех цветов. Палитра
высветляется! Не случайно использовали часто белые рамы для
картин! Нужно наносить мазки красок рядом таким образом, чтобы они
вступали в соединение в глазу зрителя, как это делает сам свет, падающий
на предметы. Это называется "теория разложения тонов" Эжена Шевреля.
Он доказал, что соседствующие основные цвета друг друга смягчают, а
наибольший контраст достигается при соседстве дополнительных цветов.
Правило: "Всякий цвет спектра в тени вызывает свой дополнительный
цвет". Другое его важное открытие было то, что цвет не является
неотъемлемым свойством предметов. Цвет - это способ, которым смешивает
свет, отражаясь от поверхности предметов.
• Художник должен обладать необыкновенно утонченным зрением, а сама
живопись становится оптическим искусством. Контуры дробятся,
вибрируют от бликов света. Свет - главное действующее лицо в картине, а
сами предметы являются второстепенными. "Главное лицо в картине -
свет", - говорил Э. Мане.
• Техника письма импрессионистов трудна, потому что трудно избежать
пестроты и беспорядка. Раздельный мазок становится важным структурным
элементом картины. Разнообразные по форме и плотности, точечные и
удлиненные, густые или прозрачные, они передают впечатление движения и
изменчивость состояния природы. Картина становится вариацией на одну
тему (развитие происходит вокруг светлой точки или цветового пятна на
картине).
• Пишут серии картин на одну тему - "Стог сена", "Тополя", "Руанский
собор".
• Влияние японской гравюры на дереве "укийе-э" (образы ускользающего
мира) - расширение цветовых возможностей (голубые тени), композиция и
понимание перспективы (точка схода в японских гравюрах вынесена за
границы картины и все предметы изображены в непривычном для
европейцев ракурсе). Точку зрения сверху, из дальнего угла часто
использует Дега, используют перспективные сокращения, что нарушает
привычные пропорции, плоскостность фона, четкий силуэт, смещение
главного объекта по отношению к центру.
• В 1880-х гг. Сера и Синьяк предлагают новую манеру письма - точками -
мелкими мазками чистого цвета. Такая техника называется "пуантилизм"
(от франц "point" - точка), а художников называют пуантилистами или
дивизионистами (от франц. division - разделение), хотя сами себя они
называли неоимпрессионисты. В основе их теории лежало стремление
обновить импрессионизм на строго научной основе. Сера утверждал, что
художник должен руководствоваться теорией спектрального анализа. Сам
он называл свою систему "хромо-люминаризм", но этот термин не нашел
применения и не прижился. Также последователей Сера называли
"конфеттистами" (делателями конфетти), что вызывало их возмущение.
Главным теоретиком стал Поль Синьяк, который написал книгу "От Эжена
Делакруа к неоимпрессионизму".
Недостатки
• стремясь передать первое впечатление, они изображали жизнь
односторонне, не проникая в суть социальных явлений;
• любование внешним впечатлением не давало достигнуть глубины
обобщения, картины превратились в погоню за мгновениями, это
изматывает художников, сами признают, что оказались загнанными в тупик
(Ренуар и Дега);
• картина потеряла значение как синтетический образ мира, т. к. не
интересует исторический жанр, бытовой. Этюдность становится
ограниченным средством;
• решают часто декоративные задачи, утрачивается образная природа
живописи, мир словно растворяется в дымке.
Место импрессионизма в истории искусства
Сыграл роль завершающего этапа классического искусства, он открывает
пути развития живописи в ХХ веке.
Художники
Клод Моне (1840-1926)
Эдуард Мане (1832-1883)
Эдгар Дега (1834-1917)
Пьер Огюст Ренуар (1841-1919)
Берта Моризо (1841-1895) - "Колыбель"
Мэри Кэссет (1845-1926)
Альфред Сислей (1839-1899)
Камиль Писарро (1830-1903)
Поль Синьяк (1863-1935)
Жорж Сера (1859-1891)
Музеи
Лувр, Париж
Музей импрессионизма Дорсе, Париж
ГМИИ им. А. С. Пушкина, Москва.
Коллекция Э. Берля в Цюрихе
Эдуард Мане
Родился в семье чиновника, служащего в министерстве юстиции. Отец
готовил карьеру юриста, но сначала выбрал морскую службу, плавал юнгой на
торговом судне. Вернувшись во Францию, поступает учиться в мастерскую Тома
Кутюра, где учился 6 лет. Было скучно, уходит из мастерской и начинает
собственную деятельность.
Первое большое полотно "Любитель абсента" (1859) отвергнуто
комиссией.
1862 - "Музыка в Тюильри" - умение видеть современность. Реальные
прототипы: брат Евгений - в высоком котелке, за дамой в голубом чепце -
профиль Шарля Бодлера, который был известным поэтом. Ему принадлежит
сборник "Цветы зла". Он оказал влияние на Мане. "Любитель абсента" написан по
его совету.
1863 - "Завтрак на траве". Первоначальное название - "Купание". Отвергнута
официальным Салоном (из 5000 отвергнуто 3000). Наполеон Ш приказал
выставить их в "Салоне отверженных". Скандал вокруг картины. Обнаженная
женщина - модель Викторина Меран. Позы напоминают работы старых мастеров.
Мане задумал как современную версию "Сельского праздника" Тициана, а позы
заимствованы из "Суда Париса" Рафаэля. Мане любил цитировать старых
мастеров. Мужчины одеты в современные костюмы, что и вызвало возмущение.
Использует резкий контраст обнаженных женских тел и мужчин в костюмах.
Мане нарушает каноны академической живописи, превращая
хрестоматийный сюжет в пикник в пригороде современного Парижа. В
перспективе и масштабах фигур допущены искажения: деревья уменьшаются в
соответствии с законами, а фигура купальщицы такая же, как фигуры на переднем
плане. Жест сидящего "повисает в воздухе", не имеет значения - просто
скопировал с картины Рафаэля. Прекрасный натюрморт, точно передающий
настроение пикника.
1865 - "Олимпия". Громкий скандал вокруг картины. Выставлена в Салоне 1865
года. Подверглась жестокой критике. О ней писали: "Страшилище", "Пиковая
дама, только что вылезшая из ванны" (Курбе). Влияние и обыгрывание сюжетов
старых мастеров, отталкивается от классических образцов и использует
композицию картины "Венера Урбинская" Тициана, которую копировал во
Флоренции. Такой подход вызвал споры: посетители Салонов привыкли, что
обнаженными изображали только богинь или аллегорические фигуры. Мане
нарушил правила. Его Олимпия - не возвышенная богиня, а натурщица.
Художнику позировала Викторина Меран. Он не приукрашивает натуру,
познакомил зрителей с Олимпией, "девушкой наших дней, которую можно
встретить в Париже" (Э. Золя).
Картина исполнена в необычной для того времени манере с сопоставлением
больших и освещенных планов: обнаженная фигура на светлом ложе и рядом -
темная стена, служанка-негритянка, черная кошка и яркое цветовое пятно букета
пестрых цветов. Вызывающий взгляд, орхидея в волосах, кошка с выгнутой
спинкой, жемчуг, который являлся атрибутом Венеры, одна туфелька на ноге -
потеря целомудрия - все это намекает на образ жизни этой модели. Вызывает
неприятие публики. Написана широкими выразительными мазками, оживающими
при взгляде с определенного расстояния. Художник испытывает симпатию к
простой девушке, подчеркивает ее независимость, чувство собственного
достоинства.
Кстати, репродукцию с "Олимпии" помещает в портрете Э. Золя, что
напоминает об их дружеских связях и духовной поддержке, которую оказывал Э.
Золя художнику. Именно он сказал: "Место Мане в Лувре" Слова писателя
оказались пророческими: "Олимпия" находится в Лувре.
Позже Сезанн вернется к этому сюжету и напишет "Новую Олимпию".
Поездка в Испанию и испанские мотивы в его творчестве.
1862 - "Лола из Валенсии" - портрет звезды знаменитой испанской танцевальной
труппы. Повторение композиции портрета испанской танцовщицы Курбе, но
образ более живой и яркий.
1864 - "Случай на корриде". Позже из оригинального полотна вырезан
фрагмент, получивший название "Мертвый тореадор".
Под впечатлением живописи Ф. Гойи создает картины "Казнь императора
Максимилиана" (у Гойи "Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года"). У
Гойи сильное эмоциональное воздействие, у Мане похоже на газетный репортаж.
Cолдаты "одеты" во французскую форму.
"Балкон" (у Гойи "Махи на балконе"). Изобразил Берту Моризо, свою ученицу.
Написал ее же портрет опд названием "Отдых".
Эхо японского искусства.
1866 - "Флейтист" написан в стилистике японских гравюр. Четкий силуэт,
плоский фон, нет объема, воздуха, перспективы, укороченная в перспективе
правая рука, почти нет теней, использует цветовые пятна, контрасты черного и
белого. Позировал знакомый музыкант, лицо написал со своего сына Леона.
1867 - персональная выставка картин на Всемирной парижской выставке.
Освистали.
1868 - "Завтрак в мастерской".
1868 - "Портрет Эмиля Золя". Поддерживал, писал статьи и буклет к выставке,
то есть серьезно анализировал творчество художника. Он сказал: "Место Мане в
Лувре". На стене репродукции японской гравюры, картины Веласкеса и
"Олимпия", которая смотрит не на зрителя, а на писателя. На столе - книги,
буклет к выставке. Писатель сидит вполоборота, в руках держит книгу по истории
живописи. За его спиной находится модная японская ширма. Мане изобразил Золя
как борца за новое искусство. Картина написана в знак благодарности за
поддержку "Олимпии".
Рост авторитета Мане среди молодых живописцев. Кафе Гербуа в квартале
Батиньоль стало местом общения. Их называли "банда Мане". Здесь
сформировались главные принципы импрессионизма. Мане поддерживал
импрессионистов, но никогда не выставлялся вместе с ними, считая, что битва за
современное искусство должна разворачиваться только в рамках официального
Салона.
Война 1870 года прервала занятия живописью. Служит в армии. Создает серию
литографий о событиях Парижской Коммуны.
1874 - поездка в Аржантей вместе с К. Моне и Ренуаром. Взял на вооружение
некоторые приемы письма. Писал портреты К. Моне. "Лодка-студия Клода
Моне", "В лодке". Изобразил процесс творчества художника. Увлечение
пленэром, мазок стал более дробным, передача изменчивых состояний природы.
Не изменил свою манеру, но палитра обогатилась.
1873 - "Железная дорога" является своеобразным окном в сверкающий мир
пленера. Картина - запечатленный миг, который передает дух эпохи, что
отражается в женском и детском костюмах. На переднем плане изображены
сидящая женщина, которая смотрит на зрителя, в руках она держит книгу, словно
на мгновение отвлеклась от чтения. Может быть, ее оторвал от чтения
восторженный возглас дочери или прохожий? Рядом с ней девочка, ухватившаяся
за прутья металлической решетки, стоящая спиной к нам.
Действующие лица разобщены и одновременно связаны. Они словно ведут
скрытый диалог друг с другом и со зрителем. В лице сидящей дамы можно узнать
известную по полотну "Олимпия" Викторину Меран, но время наложило
отпечаток на ее некогда изящный и жизнерадостный характер. Она располнела,
черты лица утратили живость и выразительность, в ней чувствуется усталость,
есть черты увядания.
В композиции применяет характерные приемы: фрагментарность, срезы,
влияние фотографии, похожа на кадр, выхваченный из жизни.
Картина является своеобразным итогом пути художника, в ней он словно
прощается с молодостью и встречает более зрелую пору жизни. В картине немало
загадок, которые имеют скрытый смысл, становятся метафорами. Кисть спелого
винограда, лежащая справа у чугунной ограды. Она полна соками и скрытого
солнечного света как островок природы рядом с железной дорогой. Сама дорога -
метафора жизненного пути, клубы пара. В то время много говорили о развитии
техники, не сможет ли она уничтожить человеческое в человеке. Недаром Поль
Гоген в поисках утраченного рая отправляется на Таити, которое представлялось
местом, где цивилизация не затронула основ жизни.
Девочка похожа на мотылька - легкая и нежная. Ее пышная прическа
перехвачена ленточкой. Платье с пышным бантом напоминает испанских инфант
XVII века. Это неудивительно: ведь страсть Мане к цитатам из творчества старых
мастеров была известна. Девочка прильнула к решетке и захвачена зрелищем
мчащегося паровоза. Художник передает биение пульса современной жизни.
Облако пара является почти символом новой современной жизни. Мане
решает сложную живописную задачу. Картина выполнена в голубых, синих,
холодных, почти серебристых тонах. Использует тончайшие градации цвета,
переходы одного в другой, их сочетание гармонично. В распределении света и
тени использует резкие и неожиданные контрасты, хотя обычно движение от
света к тени происходит плавно, за счет легкого изменения тона.
Его картины - своеобразные новеллы, они рассказывают нам о людях того
далекого времени, заставляют задуматься, проникнуться сочувствием к
трогательности и беззащитности.
1879 - "Автопортрет с палитрой" передает облик парижанина, который любил
скачки, концерты и театр.
Последние годы болен, почти не пишет.
1881 - официальное признание, получил медаль Салона и орден Почетного
легиона.
1882 - "Бар в "Фоли-Бержер". Мане проявляет интерес к современной жизни,
где показывает блеск и нищету этого города. Но он не обличает социальные
контрасты, а только показывает разные грани жизни. "Бар" - один из шедевров
художника, который он написал уже будучи больным в последний год жизни. Это
было заведение для развлечения, кафе с концертной программой. Здесь давали
цирковые представления (в верхнем левом углу видны ноги акробатки на
трапеции).
В центре композиции расположена девушка за стойкой бара, которая
оперлась на стол обеими руками. На лице привлекают внимание глаза: они
немного печально смотрят прямо на зрителя. Кстати, до сих пор исследователи
творчества художника не могут сойтись во мнении: что выражает ее лицо -
печаль, равнодушие и безразличие, усталость? Передавая ее облик, художник
использует сочетание света и тени. За ее спиной располагается зеркало, в котором
отражается шумное заведение, расположенное перед главной героиней. Как
обычно в картинах Мане, в зале можно найти его друзей и знакомых. В зеркале
отражается мужчина в шляпе, стоящий перед девушкой. Видимо, он делает заказ
и его изображение должно находиться прямо перед зрителем, но Мане его
отражение смещает к правому краю полотна, тем самым использует свой
любимый прием искажения и нарушения правил.
Использует фрагментарность композиции, срезы фигур, желание выхватить
мгновение из потока жизни и запечатлеть его во всей красе, увидеть красоту в
обыденном и повседневном. Прием введения электрического освещения, которое
в те дни было еще новинкой. Яркий электрический свет был одной из
достопримечательностей "Фоли-Бержер". Свет золотыми отблесками выхватывает
лица, силуэты сидящих в зале, заставляет атмосферу дрожать и вибрировать в
бликах освещения.
Как всегда привлекает внимание великолепно написанный натюрморт,
умело располагает предметы - фрукты, цветы, бутылки из-под вина.
Особенности творчества Э. Мане
• Отказ от академических сюжетов и одновременно привязанность к
традициям старых мастеров. Много цитат в его творчестве. Почитал
Тициана, Джорджоне, Рембрандта, Рубенса, испанских художников,
особенно Гойю.
• Сохраняет близость к реализму Курбе и применяет новые методы
живописи. В середине 60-х гг. занял место, принадлежавшее раньше Курбе.
Считают главой импрессионистов, но никогда не выставлялся с ними.
• Сочетание традиций и современности в творчестве. Сам говорил, что
"художник должен писать то, что видит" - это роднит с реализмом. Писал
сцены из современной жизни.
• влияние фотографии, от которой заимствовал способность камеры
фиксировать мимолетные мгновения, запечатлевать случайные образы и
моменты из жизни. В академической живописи требовалось тщательно
подбирать образы и расставлять их в строгом порядке. Герои Мане
случайны, а событие часто происходит за границами полотна.
• Влияние японской гравюры, от которой заимствовал принципы построения
композиции. Отказ от традиционной перспективы. Выстраивает "плоскими
слоями", что приводит к искажениям масштаба и фигур. Пространство
теряет глубину - фон выглядит плоским. В распределении света и тени
использует резкие и неожиданные контрасты, хотя обычно движение от
света к тени происходит плавно, за счет легкого изменения тона.
• интерес к интерьерам, костюмам героев. Собрал богатую коллкцию
костюмов и наряжал в них свои модели.
• предпочитал фигурные композиции и портреты.
• во многие картины включены прекрасно написанные натюрморты, в
которых ощущается влияние Шардена. Художник поражает своей
изобретательностью.
• особенности письма - использовал черную краску, писал длинными и
плавными мазками, предпочитал работать в мастерской, а не на природе.
Клод Моне
Родился в Париже в семье зажиточного бакалейщика. Увлечение
рисованием с детства. Затем семья переезжает в портовый город Гавр. Влияние
Эжена Будена, который любил писать на природе. Моне увлекся этой идее,
которая стала основополагающей идеей его творчества.
В 1860-е гг. переезжает в Париж. Затем военная служба в Алжире.
Возвращается в Париж и становится учеником Шарля Глейра.
В 1870 - отъезд в Лондон, где знакомится с французским торговцем
картинами Полем Дюран-Рюэлем. Изучает работы Констебля и Тернера. Затем
возвращается во Францию и поселяется с семьей в Аржантее. Очарован видами и
природой, здесь его навещают друзья - Ренуар, Мане, Сислей.
1874 - выставка в Париже, где представлена работа "Впечатление.
Восход солнца"(1872), которая и дает название всему направлению. Написана в
Гавре. Над водной гладью в гавани в утреннем тумане видны расплывчатые
силуэты судов и кранов. Все подернуто серой дымкой, так как солнце только
восходит. Оно похоже на красный шар, который бликами отражается в воде.
Запечатлел момент увиденного.
Само объединение художников называлось сначала "Анонимное общество
художников-живописцев", а с 1877 года с Третьей выставки сами стали
официально называться импрессионистами, когда их работы составили треть от
общего числа выставленных картин.
Последние годы проводит в Живерни, деревушка на берегу Сены недалеко
от Парижа. Здесь пишет виды своего сада, который становится едва ли не
единственным объектом на его полотнах. Главной страстью художника стал его
сад в Живерни. Сам подбирал цветы так, чтобы они располагались в
определенном порядке, были контрастными по окраске и цвели круглый год.
Знаменитый пруд с кувшинками устроил сам возле дома. К художнику приходит
признание, становится обеспеченным человеком. Начинает терять зрение, делают
операцию, которая прошла успешно. Работает до последних дней.
1865 - "Завтрак на траве" - первая работа в натуральную величину. Хранилась в
сыром подвале, поэтому плохо сохранилась Моделью для женских фигур
послужила Камилла, будущая жена, а для мужских - Фредерик Базиль, его друг и
художник. Написана как бы в подражание Э. Мане. Сначала называлась "Завтрак
под деревьями", что больше соответствует композиции полотна. Саму картину
Моне разрезал в порыве неудовлетворения, три части полотна сохранились и
представлены в разных музеях мира. В ГМИИ находится эскиз большой картины.
Задача - сделать фигуры частью пейзажа, окутать их воздухом и светом, добиться
естественного слияния с природой. В композиции чувствуется дань классицизму:
деревья справа как кулисы, которым соответствуют три фигуры, в центре -
натюрморт из предметов для пикника, пространственная глубина подчеркнута
уходящими вглубь фигурами. Изображение четкое, хотя и обобщенное. Фактура
полотна гладкая и спокойная. Блики солнца, по традиции, переданы желтым и
белым цветом. Игра яркого света и сгущенных теней определяет будущий
творческий почерк мастера.
1867 "Терраса в Сент-Адресс" - биографическая ценность. Вернулся в
отцовский дом. Две фигуры, сидящие в креслах - отец и тетка. Стоящие фигуры -
его родственники. В композиции пока стремится к строгому построению: четко
прописана, тщательно выверена по построению. Черты нового: цветы написаны с
помощью мелких штрихов, легкая игра света, играющего на гладких
поверхностях.
1867 - "Дама в саду" - героиню поворачивает спиной к зрителю, главное -
пейзаж, освещенный солнцем. подвижные мазки насыщают солнечным светом
траву, цветы, купы деревьев.
1873 "Поле маков" - всегда любил рисовать цветы, присутствуют везде. На
картине изобразил жену и сына. Для передачи движения на вершине холма
добавил вторую пару фигур, которые соединены пробегающей по траве
тропинкой. Писал на пленэре. Выбор ракурса таков, что маки по диагонали
заполняют левую часть композиции. Насыщенный цвет и движение находятся в
контрасте со спокойными тонами правой части композиции. Виден дом среди
деревьев, расположенный по линии горизонта. Крыша связывает задний план с
передним, переходы между полем и небом смягчены. Красный цвет преобладает,
но использует по всей композиции желтые штрихи, создающие узор. Основной
контраст - красное на зеленом. Желая передать впечатление от маков, Моне не
прорисовывает детально, а обозначает их красными мазками, постепенно
уменьшающимися в перспективе.
1880-е гг. "Поле маков" - множество разнообразных оттенков красного,
золотистого, розового, зеленого, сиреневого. Каждый удар кисти - это
трепещущий на ветру цветок. Тяжелая масса синих гор, расположенных на
горизонте, пересечена пирамидами темно-зеленых деревьев. Небо с плывущими
облаками напоминает уголок, увиденный из окна мчащегося поезда.
1873 - "Бульвар Капуцинок в Париже" - в городском пейзаже привлекает
существование города во взаимодействием с природными процессами. Атмосфера
города передана лишь в общих чертах. Композиция построена на контрасте
непрерывного движения пешеходов и экипажей в зыбких очертаниях как бы
растворяющихся в весенних лучах статичных домов и деревьев, на сопоставлении
весенней голубой тени и теплого золотистого свечения солнечной стороны
бульвара. Изображение дано смазанным и неуловимым, возникает впечатления
наложения на один кадр нескольких изображений движущихся объектов, снятых с
одной точки. Справа, у края картины, отчетливое изображение стоящих на
балконе мужчин, созерцающих сутолоку жизни. Они словно выключены из
потока жизни, текущей и изменчивой, представленной на полотне.
1876 - "Уголок сада в Монжероне"
1883-1886 - писал морские пейзажи на побережье Нормандии в Этрета. Написал
более 60 полотен. На 6 из них изображен вид арки, известной как "Маннпорт".
Выбирает различные ракурсы. Части скалы обрезаны краем холста. Энергичные
мазки передают поверхность моря, повторяются в его волнистом ритме волн.
Масштабность изображения передает величие и мощь природы. Часто ставит
двойную цель: изобразить природные формы и создать особый узор с помощью
мазков кисти. Определенный ритм и фактура каждого полотна. Потоки
солнечного света оттеняют контрасты, придают напряженность по сравнению с
затемненными участками. Все элементы картины - скалы, небо и море - хорошо
различимы и связаны в единое целое благодаря энергии и движению штрихов.
"Лодки в Этрета"
1884 - "Скалы в Бель-Иль"
1886 "Дама с зонтиком, повернувшая налево" - есть парная картина, где
повернута направо. Изображена приемная дочь второй жены. Раньше писал
первую жену Камиллу. Из трех работ эта самая удачная. Эффектная поза,
отчетливое изображение, синяя краска размыта поверх белой так, что один цвет
проникает в другой, создавая впечатление стремительного движения облаков по
небу. Энергичные мазки передают движение ветра по траве. Лицо написано в
общих чертах. Моне стремится передать впечатление от облика, а не написать
портрет.
1889 - "Стог сена в Живерни" - серия из 15 картин. Идеальный
художественный объект для тональных экспериментов. События происходят
только в природе. Нет ассоциаций с тяжелым крестьянским трудом. Рисунок
облаков, колыхание листвы создают впечатление постоянного движения. Солнце,
утреннее или полуденное, изменяют цветовой тон травы и неба. Свет,
разложенный на тона спектра, последовательно воплощает в этой серии.
Пристальная и изощренная разработка тонов.
1894 - "Руанский собор" - 20 полотен. Внутри серия разделяется на циклы
"Утро", "День", "Вечер". Поэзия материализованного света. Разрушает реальные
представления о материальности мира и пространственных отношениях.
Светоносность, мираж.
1916 - "Кувшинки" - серия из 60 полотен. Самое значительное в серии - 2-х-
метровое квадратное полотно. Отход от идеи картины как описания природы,
которое выглядит шагом к абстрактной живописи. Островки розовых и желтых
кувшинок располагаются на поверхности воды. Отвергая правила композиции,
отказывается от понятия "горизонт" и сосредотачивает внимание на участке воды
с кувшинками. Резко обрезает края холста, создавая впечатление, что картина
является дишь частью целого. Многослойность воды - во время работы часто
нарисовав листья кувшинок, добавлял новый слой воды. Есть фрагменты
незакрашенного холста, которые придают ощущение незавершенности.
Вертикальные мазки синего, зеленого, фиолетового дают впечатление движения.
Отражения на воде, спутанная трава и водоросли покрывают поверхность. Цветы
кувшинок - главный элемент картины. Писал короткими густыми мазками,
усиливая впечатление от выступающих над поверхностью воды цветов.
Чашечки цветов словно материализуются на поверхности воды, не
имеющей линии горизонта. Бесконечное и неповторяющееся разнообразие цвета
и света. Тонкое чувство природы.
Особенности творческой манеры К. Моне
• Цель - фиксировать мимолетные состояния природы. Совет Моне
художникам: "Старайтесь забыть о том, что вы видите перед собой, - о
дереве, доме, о поле... Просто думайте, что в этом месте - маленький синий
квадрат, там - продолговатая розовая фигура...". Впечатление - главный
зрительный импульс, создаваемый увиденным в данный конкретный
момент.
• преобладание жанра пейзажа в творчестве.
• любимые мотивы - цветущая земля, сияющее небо, вода, отражающая и
вбирающая в себя цвета всего сущего.
• работа на открытом воздухе - пленэре. Вся картина от начала до конца
создается под открытым небом. Это не новый прием, его использовал
Констебль. Буден первым научил Моне видеть и понимать природу. Моне
говорил, что будто "пелена спала с его глаз".
• Работу художника на свежем воздухе запечатлел Э. Мане в картине "Лодка-
студия Клода Моне".
• новые технические приемы - короткой кистью наносил широкие грубые
мазки, жирные разбросанные точки, черточки, штрихи. Подвижные мазки,
положенные под различными углами, контрасты цветовых пятен создают
вибрацию, переливчатость и изменчивость мира.
• одновременно работал над всем пространством картины, веря, что первый
слой краски должен покрыть как можно большую площадь. Холст
предварительно покрывал белым или кремовым грунтом без подмалевка,
использовал чистые, несмешанные цвета, благодаря чему краски
становились ярче и светлее, повышалась светоносность колорита.
• одержимость светом и цветом.
• обрезание края холста, что придает фрагментарность построению
композиции.
• фигуры людей играют вспомогательную роль, постепенно отходят на
второй план. Природа - главный объект для изображения.
• писал серии картин: один и тот же объект при различном освещении и
разных погодных условиях - стога сена (15), тополя в Живерни (20),
Руанский собор (20), кувшинки (60), вид Лондона с Темзы.
Эдгар Дега
Аристократ по происхождению. Родовое имя - де Га, позже изменил сам.
Отец - банкир. Интерес к искусству отец поддерживал, первый учитель Луи
Ламотт, ученик Энгра. Отсюда у Дега любовь к четким линиям, у единственного
из импрессионистов.
Изучал картины в Лувре, путешествовал по Италии.Увлечение портретной
живописью, исторической картиной. Знакомство с Э. Мане определило выбор
пути. Затем началась война, посещает родственников в Новом Орлеане, умирает
отец, оставив огромные долги. Чтобы сохранить репутацию семьи, Дега продает
дом и собрание картин. Начинает думать о продаже своих работ. Участвует в
организации выставок импрессионистов. Участвует во всех выставках, кроме VII.
К 1880 году стал заметной и уважаемой фигурой в мире искусства.
Прогрессирует потеря зрения, постепенно переходит от масла к пастели, так
как эта техника позволяла ему ощущать близость к поверхности полотна.
обращается к скульптуре, так как больше полагается на осязание, чем на зрение.
Его характер портится, становится сварливым, растет антипатия к современной
жизни. С 1908 года почти не пишет. В 1912 году его картина "Танцовщицы в
баре" куплена за 478 000 франков - небывалая цена для того времени!
1859 - "Семья Беллели" - была самой значительной ранней работой, написана в
Италии. Фигуры даны в натуральную величину, композиция тщательно
продумана. Следование образцам эпохи Возрождения и классицизма. Горделивые
позы, интерьер.
1873 - "Хлопковая биржа в Новом Орлеане" написал во время поездки к
родственникам. Сюжет - деловая контора, до Дега не писали. Точно выполненные
портреты хорошо вписаны в интерьер и атмосферу деловой обстановки. Живая
зарисовка повседневной жизни перекликается с романами Э. Золя. Основой
процветания города была торговля хлопком. Идею выразил сам Дега: "Все для
хлопка, все через хлопок". Изобразил родственников: на переднем плане сидит
дядя, брат читает газету, другой брат прислонился к перегородке. Дега гордился
их успехами. Сюда они заглянули ненадолго, поэтому бездельничают. Все заняты
делом, рассматривают хлопок, поглощены им. Композиция тщательно продумана,
хотя производит впечатление свободной.
1876 - "Абсент" - одна из знаменитых работ. Изображает пару, сидящую в кафе.
Модели - его друзья. - актриса и художник. Картина предстает как срез реальной
жизни. Мы видим двух обычных людей, потерявших надежду. Они рядом, но их
ничто не связывает, нет духовного единства людей. Одиночество - главная тема
картины. Картину называли отвратительной, вульгарной, уродливой. За спиной
пары находится зеркало, обрезанное в характерной фотографической манере. В
нем отражается окно, сквозь которое струится свет серого утра.
1879 - "Мадемуазель Лала в цирке Фернандо" - смелая и необычная
композиция. На картине изображена акробатка, висящая под куполом цирка на
зажатом в зубах канате. Ракурс выбран так, что видим глазами сидящего внизу
зрителя. С блеском справился с трудной задачей. В цирке бывал Тулуз-Лотрек.
Лала - звезда труппы, поражала своим мастерством. Ее сверкающий костюм
вносит необычный цветовой оттенок. Множество декоративных элементов.
"Меня называют живописцем танцовщиц", - писал Дега. Создает уникальные
образы. Отказывается от изображения звезд балета, показывает закулисную жизнь
театра. Часто изображает репетиции, где жизнь лишена парадности, а предстает
как тяжелый физический труд, упорные занятия, утомительные репетиции,
постоянное стремление к совершенству. "По картинам Дега можно восстановить
всю историю балерины, все этапы ее обречения театру", - писал критик.
1874 - "Репетиция" - документальность, композиция выверена до мелочей.
Центральная часть пространства пустая - фигуры собраны в верхнем левом углу, а
справа - ожидающие своей очереди. Одна фигура неожиданно обрезана. Винтовая
лестница направляет взгляд по зигзагу вверх и снова вниз, что придает ощущение
движения и связывает всю композицию. Ярко выделяется фигура педагога в
красной рубашке. Портрет выдающегося танцовщика Жюля Перро - дань
уважения его таланту - писал с фотографии.
Использует принцип фотографии для фиксации на полотне ускользающего
мгновения. Влияние фотографии проявляется в композиции его полотен -
асимметрии и подрезании фигур краем полотна. В фотографии это получается
случайно, у Дега - это выверенный и продуманный прием. Картина выглядит как
сценка, выхваченная из жизни. Дега воплощает главную задачу импрессионизма -
передать движение и ускользающий миг как моментальный снимок
действительности. Стремление художника запечатлеть разные фазы движения,
невидимые простым глазом. Прозрачные ткани, мимолетность мгновения,
участки зеленого и его дополнительного красного создают цветовой контраст.
1878 - "Танцовщица у фотографа" -
Балетные сцены "Репетиция балета на сцене", "Танцевальный класс",
"Арабеск", "Голубые танцовщицы" (1890, Париж) "Голубые танцовщицы"
(ГМИИ) - вибрация цветовых пятен, линия играет второстепенную роль, смягчает
контуры фигур.
"Музыканты в оркестре" - главный герой фаготист, друг Дега, тщательно
выпиывает и других. Новаторство - "не поместились фигуры танцовщиц",
обрезаны краем полотна. Передает эффект искуственного освещения.
"На скачках или Жокеи перед стартом" - еще одна любимая тема. Отличает
четкая композиция, построенная на диагонали, соединяющая фигуру наездника
слева и колесо повозки справа и горизонтальная линия голов жокеев. Фон
выписан эффектными цветовыми пятнами.
"Жокеи под дождем", "На старте".
1884 - "Гладильщица", "Гладильщицы" - тема физического тяжелого труда,
утомительное однообразие. Эффекты пара.
Скульптура - Обращается в последние годы, когда ослабело зрение. Называл
свои скульптуры "ремеслом слепого". В скульптурных изображениях повторяет
темы картин: танцовщицы, купальщицы, жокеи. Лепил для себя, они заменяли
ему этюды. В качестве материала использовал воск. После смерти 70 работ
наследники перевели в бронзу.
Особенности творческой манеры Э. Дега
• Дега можно условно назвать импрессионистом, так как многое отличало от
них. Он не стремился передать ускользающую игру света и тени, мало
интересовал пейзаж. Как художник, он вырос на традиционной живописи.
Характерно обращение к жанровой живописи.
• общее - интерес к современной жизни и стремление запечатлеть ее на
полотне новым способом.
• тщательно продумывал композицию, делал множество набросков и этюдов.
Иногда использовал один этюд для нескольких разных полотен.
• любимые темы и образы - балет и скачки.
• часто рисовал не на полотне, а на картоне, использовал разную технику в
рамках одной картины - масло и пастель.
• Важная роль рисунка в его творчестве. Упражнял руку, добиваясь
потрясающей точности и натурализма. Позже перешел на белый мел и
черный уголь, добиваясь потрясающих результатов.
• необычные ракурсы в картине объясняются влянием японской гравюры.
• влияние фотографии, от которой создается впечатление моментального
снимка.
• в позднем творчестве выражал себя с помощью богатства форм и цвета. В
пастелях стал более свободно использовать цвет. Недостаток пастели
состоит в том, что она осыпается и разрушается. Дега накладывал пастель
смелыми, ломаными линиями, иногда оставлял проступающий тон бумаги
или добавлял масло. Проявлял изобретательность. Одним из его открытий
стала обработка картины паром, после чего пастель размягчалась и ее
можно было растушевывать кистью или пальцами.
• любил писать человеческое тело в движении, фиксировать каждое
мгновение движения.
• превым отразил своеобразие движений людей в зависимости от их
профессии. Прекрасно знал все балетные "па", у прачек интересует особая
манера держать утюг, гладить или нести белье в корзине.
Пьер Огюст Ренуар
Ренуар родился в семье портного. В 13 лет определен на фарфоровую
мануфактуру расписывать изделия, где работал 7 лет. Он вырос в многодетной
семье, был счастлив в семейной жизни. Своих родных и близких запечатлел
много раз, находя все новые оттенки для выражения радости и семейного счастья.
Своей привязанности к изображению светлых сторон жизни не изменил до
последних дней. Учился в мастерской Глейра, где познакомился с К. Моне, А.
Сислеем, Ф. Базилем.
"Купание на Сене" ("Лягушатник") - сюжет - отдыхающая публика. Отказ от
привычных композиционных приемов, вид случайного снимка. Способность
смешаться с толпой, проникнуться ее настроением, показывает изнутри, видит
энергию и оптимизм. Ренуаровская толпа - яркий и запоминающийся образ, в
основе которой лежит демократичность. Передает красочность и динамичность
людского потока, нарядность и праздничность. Все молоды, прекрасны и веселы.
Колорит картины отвечает настроению. Веселая игра солнечных бликов,
зыбь реки, листва деревьев, платья и сюртуки гуляющих. Игра светотени. Чистый
цвет - основной выразительный материал.
"В саду" - соединяет понятия "картина" и "этюд". Создает под открытым небом,
не всегда обдумывает композицию, фиксирует то, что видит глаз, охватывая все
самое важное и характерное. Лица и фигуры вылеплены цветом обобщенно,
подчеркивая непринужденнность непосредственного наблюдения. Широкий
плавный мазок соответствует неторопливой беседе расположившихся под
деревом. Гармоничное слияние с природой.
"Обнаженная (Женщина, сидящая на кушетке)" - новое представление об
идеале женской красоты. Демонстрирует тело на фоне сине-зеленых драпировок,
нет намека на вызов, как в "Олимпии". Цель - показать прекрасное в облике
современной женщины, не меняя и не исправляя его. Ее красота не в
утонченности линий, а в здоровье и молодости, обаянии, присущим его героиням.
Хотя ценителей академического искусства ее фигура коробила отсутствием
идеализации и правильности черт.
Тело воспринимает вуаль тончайших оттенков драпировки, тело излучает
тепло и "согревает" драпировки своим светом. Этот выразительный эффект
подарил картине еще одно название "Жемчужина". Эстетическое наслаждение для
глаза. Один из критиков сравнил с куском гниющего мяса, подернутого зеленью.
"Портрет Жанны Самари" (1877) - молодая, красивая, обаятельная. Известная
актриса "Комеди Франсез", исполнительница мольеровских ролей. Она не
позирует, а словно беседует с художником, готова улыбнуться. В облике -
внимание и доброжелательность. Лицо, обнаженные плечи, розовый фон. Портрет
выполнен мелким вибрирующим мазком, вплавлены десятки оттенков. Силуэт
почти погашен, нет ни одной четкой линии, все зыбко, неуловимо, подвижно.
Ренуара по праву называли "певцом розового и зеленого". В портрете из
этих красок создал целую поэму, используя самые невероятные комбинации.
Зеленый и розовый - эти два дополнительных, а, следовательно, контрастных
цвета, должны были бы вызывать диссонанс, но своей кистью Ренуар приводит
их к гармонии.
"Портрет Жанны Самари" (1878) - написан в белой гамме - платье, перчатки,
руки, плечи, лицо и шея. Фигура в полный рост выступает из более темного
коричневато-охристого тона., овеяна воздухом и светом и сама излучает свет. Она
стоит перед зрителями, почитателями ее таланта. Она немного волнуется, что
чувствуется в постановке фигуры, и радуется этому.
Сохранилось три ее портрета. 1 - в ГМИИ, 2 - в Эрмитаже, 3 - в Париже в
фойе "Комеди Франсез".
"Девушки в черном" - два миловидных личика, мечтательные глаза, черные
платья. Сюжет прост - две девушки расположились за столиком кафе. Выхватил
сюжет из толчеи жизни. Вглядывается в хорошенькие лица моделей, влюблен в
красоту.
"У моря", "Девушка с веером", "Танец в Буживале", "Танец в "Мулен де ла
Галетт", "Зонтики".
"Девочка с лейкой"
"Ваза с цветами"
В конце жизни признается: "Я был в тупике", так как дошел до пределов
импрессионизма. Стремясь преодолеть кризис, обращается к традициям
итальянцев и Энгра. Значение приобретает четкая форма и рисунок.
"Купальщицы" - четкие объемы, ясно очерченные контуры, светлые и
определенные тона, гладкая живописная манера.
Как и Дега, к старости занялся скульптурой. Живет на юге Франции,
парализована рука, но работает, прибинтовывая кисть к руке. Последняя просьба
к сыну - дать ему карандаш, чтобы сделать набросок вазы с цветами.
Особенности творчества О. Ренуара
• Ренуар - певец розового и зеленого. Писал портреты и пейзажи, жанровые
сцены - настоящий гимн Парижу.
• Женские образы - лучшая страница в творчестве Ренуара. Воплотилось
преклонение перед красотой и душевной мягкостью. Создал свой тип
красоты, который справедливо называют ренуаровским и французским.
Типичные черты - круглое личико, пухлые губки, лучистые большие глаза.
• Современники называли его "живописцем счастья". Мир Ренуара полон
безмятежности и покоя. Он умеет разглядеть прелесть в обычной жизни: в
оживленных улицах Парижа, в нарядной толпе людей, уютных кафе и
танцах. "В мире достаточно печальных вещей, так не будем же создавать
новых", - говорил художник.
• Его привлекала чистота и ясность детских и женских образов. Обаянием и
поэзией отмечены картины на темы материнства.
• Суть творчества - поиск прекрасного в современном и обыденном.
Камиль Писсарро
Золя называл его подлинным художником эпохи. Он заслужил от молодых
художников дружественное прозвище "папаша Писсарро".
В его творчестве был воплощен архитектурный облик современного ему
Парижа. Создает серию "Бульвары (15 картин), работал над несколькими
холстами одновременно. Переходя от холста к холсту, он фиксировал все
изменения погоды, смену времени суток. Этот метод заимствовал у К. Моне, так
же писавшим свои серии. Выбирает точку зрения сверху, наблюдает
"человеческий муравейник" свысока, передавая общее ощущение пейзажа.
Художник стремится к широте обзора в лучших картинах: "Бульвар
Монмартр, весна", "Бульвар Монмартр после полудня, солнце", "Площадь
Французского театра, весна", "Оперный проезд в Париже".
Импрессионизм в скульптуре
Сами художники обращались к скульптурным формам, хотя скульптура по
своей специфике и материалу противоречит принципам импрессионизма. Об
импрессионизме в скульптуре искусствоведы говорят, касаясь творчества Родена,
Голубкиной, Трубецкого и других.
Импрессионизм в русском искусстве
Испытали влияние импрессионизма русские художники В. А. Серов -
"Девочка с персиками", "Девушка, освещенная солнцем".
К. А. Коровина называли "русский импрессионист". "Портрет Любатович",
Бульвар Капуцинок". Полотно с таким названием есть у Э. Мане.
Импрессионизм в литературе
Импрессионизм – очень специфическое живописное направление,
проблемы которого решались на материале живописи. Однако его связи со
скульптурой, музыкой и литературой являются не менее плодотворными.
Как справедливо отмечает один из исследователей этого вопроса Л. Г.
Андреев: «определять в один ряд живопись и словесное искусство, разумеется,
нет основания... в живописи импрессионизм несомненен, в литературе –
приходится его отыскивать» (Андреев, с. 28). В своей книге под названием
«Импрессионизм» Л. Г. Андреев дает анализ творчества писателей и отдельных
произведений.
Тем не менее есть положения, которые являются общими для писателей и
живописцев. Действительно, случайность композиции в картинах лишь
кажущаяся, природу они передают правдиво, но через цветовые вибрации, через
феерию света. Подобные приемы использует М. Пруст, когда описывает цепь
воспоминаний, в которой вереницей проходят впечатления, ощущения,
непосредственные, сиюминутные, размытых очертаний – это настоящие признаки
импрессионизма в литературе.
Отдельные импрессионистические черты находят у писателей и поэтов
разных направлений. Известны попытки писателей работать методом
импрессионистических зарисовок, но они не приводили к значительным
художественным результатам. Исследователи даже считают, что сама природа
словесного искусства противится отображению потока непосредственных и
случайных впечатлений, которое придает очарование живописи К. Моне. И все-
таки в русской литературе есть знаменитое стихотворение без точек и сказуемых,
которое А. Фет написал еще в 1850 году, где игра света и живописность слова
создает самую настоящую импрессионистическую картину:
Шепот, робкое дыханье,
Трели соловья,
Серебро и колыханье
Сонного ручья,
Свет ночной, ночные тени,
Тени без конца,
Ряд волшебных изменений
Милого лица,
В дымных тучках пурпур розы,
Отблеск янтаря,
И лобзания, и слезы,
И заря, заря!..
«Музыка прежде всего»
Импрессионизм в музыке возник примерно в то же время и в тех же
условиях борьбы с академическим искусством, что и в живописи.
Основоположниками этого направления в музыке были Клод Дебюсси и Морис
Равель. В их ранних произведениях обнаруживается стремление к пейзажности,
живописным образам.
Черты импрессионизма в музыке проявляются в красочности
гармонических «бликов и пятен», необычности инструментальных
сопоставлений, тонкой игре тембров, повышенном чувстве колорита, его
преобладанием над мелодическим рисунком. Искусство композиторов, как и
полотна живописцев, воспевают мир естественных человеческих пе5реживаний,
передают радостное ощущение жизни, заново открываемый мир природы.
Творчество художников и композиторов объединяет отсутствие
произведений большого гражданского звучания, острых социальных тем. Они
фиксируют мимолетные впечатления от увиденного и услышанного. Кроме того,
их роднит выбор жанровой принадлежности для своих произведений: пейзаж,
бытовые сценки, портретные зарисовки; тяготение к миниатюрным формам:
романсу, фортепианной или оркестровой миниатюре со свободной
импровизационной манерой изложения; расширение круга выразительныз
средств.
Новые средства музыкальной выразительности имеют аналогии с палитрой
художников, которые используют чистые цвета, а композиторы обращаются к
натуральным звукорядам. Если у художников прелесть и очарование их полотен
составляет тонкая вибрация цвета и света, то в музыке игра светотени создается
балансированием между далекими тональностями, а сопоставление отдельных
трезвучий вызывает ассоциации с мазками чистых красок, расположенных рядом
на холсте. Более того, композиторы отказываются от развернутой мелодии и ее
развития, которые составляли основу классической музыки. Тематический
материал ограничивается коротким мотивом, а то и интонацией. Мотивы
причудливо переплетаются, создавая впечатление трепетания, звучащего воздуха.
Только музыка «обладает властью вызывать из небытия фантастические образы,
реальный и сказочный мир, творящий волшебную поэзию ночей, эти тысячи
неведомых шумов листвы при ласках ветра», - говорил К. Дебюсси (Ивлев С. А.,
с. 33)
Манеру музыкального письма К. Дебюсси сравнивают с акварелью и
пастелью в живописи. Даже названия, которые он дает своим произведениям
вызывают яркие зрительные образы и впечатления: «Лунный свет», «Терраса,
посещаемая лунным светом», «Девушка с волосами цвета льна», «Звуки и запахи
реют в вечернем воздухе», «Затонувший собор» и другие.
Морис Равель вошел в историю музыки как продолжатель традиций К.
Дебюсси. Своеобразным итогом его творчества стало «Болеро» (1928), созданное
по заказу известной балерины Иды Рубинштейн. Здесь Равель использует
качественно новый принцип - симфонические вариации на одну тему – редкий по
грандиозности замысла и масштабов. «Всякая музыка рядом с его музыкой
кажется несовершенной», - таково было мнение Ромена Роллана о Равеле.
Анализ композиции
1. Определить сюжет, автора, рассказать о содержании.
2. Описать расположение фигур – в центре, по краям, какие использует срезы,
подчеркнуть влияние фотографии.
3. Использование перспективы, есть ли влияние японского искусства.
4. Использование ракурсов.
5. Выбор точки зрения - сверху, фронтальная, снизу.
6. Тип композиции – открытая, закрытая, диагональная, если есть диагональ,
то отметить передачу движения.
7. Передача движения фигур, желание выхватить миг из жизни, из вечного
потока действительности.
8. Передача световоздушной среды, приемы пленерной живописи.
9. Значение жестов, взглядов персонажей картины.
10. Использование рефлексов. Роль цвета, характер мазков
11. Техника исполнения: вибрация мазков трепетание света, черты эскизности
или выверенности композиции.
12. Роль фона в композиции.
13. Художественный образ в картине, какие чувства вызывает.
14. Свое отношение к картине.
Слова рь для ответа по теме
1. Мягкий, нежный, изящный, лирический, поэтический, покой,
созерцательность, просветленный характер.
2. Идеал красоты, любование красотой окружающего мира, открытие прелести
видимого мира, точность наблюдения, интерес к деталям.
3. Реалистичность изображения.
4. Певучесть линий, линейный ритм, изящество рисунка, пластический ритм
расплывчатый контур, размытые очертания
5. Новизна пространственных решений, сложные ракурсы, постановка фигур в
пространстве.
6. Найти и перечислить как можно больше разных оттенков цветовой гаммы.
Использование цветовых контрастов основных и дополнительных цветов.
Холодный или теплый колорит, светоносные краски.
7. Игра света и теней, световоздушная среда.
8. Выразительный силуэт, пластичность фигур, под тканью чувствуется
очертания фигуры, естественность изгибов, упрощенность формы.
9. Выразительные жесты, к кому обращены, вступают ли герои в диалог,
взгляд выражает...
10. Любование красотой окружающего мира, желание запечатлеть мгновение.
11. Фон – описание деталей, если действие происходит в интерьере;
обрамление для действия, деревья и скалы, их характер, изгиб стволов,
красота лесных пейзажей, цветов.
12. Композиция представляет собой..., композиция построена на ..., или
основана на сочетании или противопоставлении...
Литература
1. Алпатов М. В. Всеобщая история искусства, т. V. – М-Л.: Искусство, 1964. –
684 с.
2. Андреев Л. Г. Импрессионизм. – М.: Искусство, 1980.
3. Вентури Л. От Мане до Лотрека. – М.: Искусство, 1958.
4. Дмитриева Н. А. Краткая история искусств, в. III. – М.: Искусство, 1993. –
358 с.
5. Ивлев С. А. Художественная культура XIX и ХХ веков. – М.: ООО «Фирма
МХК», 2001. – 198 с.
6. Ильина Т. В. История искусства. Западноевропейское искусство. – М.:
Искусство, 1993. – 471 с.
7. Калитина Н. Н. Французская пейзажная живопись. – М.: Искусство, 1972. –
264 с.
8. Клод Моне. – «Художественная галерея», 2004,
9. Огюст Ренуар. - «Художественная галерея», 2004, №
10. Парч С. Домашний музей. - М.: "Терра", 1999. - 367 с.
11. Рейтерсверд О. Импрессионисты перед публикой и критикой. – М.:
Искусство, 1974. – 369 с.
12. Французская живопись второй половины XIX века. – М. Искусство, 1972. –
294 с.
13. Шепетис Л. От жизни - в ничто. – М.: «Молодая гвардия», 1972. – 174 с.
14. Эдгар Дега. – «Художественная галерея», 2004, №
15. Эдуард Мане. – «Художественная галерея», 2005, № 40. - 31 с.
Скачать материал

МХК - еще материалы к урокам: